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Danse et art

Alvin Ailey American Dance Theatre Automne 2021

Diverses dates de première.
Disponible en streaming sur Ailey tout accès.

Le mouvement a le potentiel de transmettre l’âme – la force et la résilience, les profondeurs des sentiments au sein de l’âme humaine. Même abstraites, l’émotion et l’expression transcendante à portée de main font passer le message à des témoins avertis.

Plus que de comprendre, nous pouvons ressentir cette âme et sa signification profonde dans notre chair et nos os. Le travail de danse de concert d’Alvin Ailey en particulier s’appuie sur ce potentiel, un héritage que sa compagnie homonyme perpétue fièrement et de manière louable.

Les travaux de la saison d’accès illimité à l’automne 2021 de l’entreprise – disponibles gratuitement pour toute personne dans le monde ayant accès à Internet – n’ont certainement pas fait exception à la poursuite d’une profonde âme en mouvement. J’ai ressenti viscéralement l’engagement profond des interprètes et la chorégraphie réfléchie (soutenue par un design, des partitions et une exécution de concept de premier ordre) même pendant que je regardais avec mon ordinateur portable.

Cette critique se concentre sur Jamar Roberts Espace d’attente et Ailey Cri (interprété par Jacqueline Green). Parmi les autres œuvres de la saison Ailey All Access de l’automne 2021, citons le directeur artistique d’Ailey, Robert Battle. Ella et Masse (à la fois haute énergie et luminescent à leur manière), Matthew Rushing Testament (une illustration évocatrice et effrayante du parcours de ceux qui font partie de la diaspora africaine), Roberts’ Une Jam Session pour des temps troublants (son joyeux suave et cool juste ce qu’il faut pour apaiser les cœurs et les esprits fatigués), et les performances des étudiants d’AileyCamp et de l’Ailey School.

Roberts Espace d’attente associe des éléments de design au mouvement, à la fois audacieux et mémorables, pour illustrer le pouvoir de déplacer des corps humains dans un espace de résonance. Les effets de lumière dans l’espace de la boîte noire ont construit une esthétique éthérée, presque mystique, avec la lumière et l’ombre de l’arrière et du côté des lumières de l’espace créant une atmosphère de rêve (éclairage de Brandon Stirling Baker).

La qualité aérienne de la partition électronique a renforcé cet effet (musique de Tim Hecker). Les costumes blancs du grand ensemble (conception de costumes par Roberts) ont encore contribué à créer une sensation éthérée ; on pourrait même considérer les danseurs comme une sorte d’êtres angéliques – ceux qui ne sont pas collants ou chérubins mais plutôt audacieux, féroces et indépendants.

Ils semblaient se déplacer de manière improvisée; les scripts d’improvisation de Roberts (très probablement) ont gardé l’image visuelle et l’énergie à portée de main cohésives plutôt que chaotiques. De courtes parties à l’unisson s’intercalent dans les sections suivantes, renforçant le sens de l’ordre au sein de la nouveauté et de l’imprévisibilité.

À d’autres moments, les danseurs individuels ont eu des moments pour briller avec leur propre mouvement – ​​se déplaçant avec passion et avec une profonde sagesse kinesthésique – alors que le reste de l’ensemble marchait lentement. Dans ces moments-là, c’était comme s’ils étaient une force protectrice pour le danseur portant sa vérité personnelle à travers le mouvement.

Juste au moment où mon œil critique commençait à rechercher un changement d’esthétique ou d’atmosphère, l’éclairage s’est déplacé pour éclairer les danseurs – également maintenant moins nombreux – d’une manière nouvelle. Le même score est resté stable, une force légèrement pulsée qui est devenue méditative.

Ils continuaient à bouger passionnément et pensivement, comme s’ils étaient ravis de chaque déplacement d’une articulation ou de la contraction d’un muscle. C’est une expérience incomparable de voir des artistes ainsi se perdre dans leur travail.

Une section particulièrement mémorable à mi-chemin de l’œuvre juxtaposait un danseur se déplaçant seul dans un cadre carré aux côtés fins et noirs, et deux autres danseurs se reflétant, se déplaçant en diagonale dans l’espace tout en se faisant face et en reproduisant les mouvements de l’autre (conception scénique également par Roberts).

J’ai repensé au titre ; les deux danseurs se tenaient un espace l’un pour l’autre, au sens interpersonnel, par le mouvement, tandis que le danseur dans la boîte tenait un espace littéral. Sa clarté directionnelle incarnait la qualité géométrique de la forme qui la contenait.

Bientôt, quatre autres danseurs sont entrés dans le cadre et ont commencé à déplacer la structure, et elle a continué à danser. Cela a continué alors qu’ils déplaçaient la structure vers l’avant et en diagonale. C’était un choix unique et convaincant, et sans aucun doute difficile à exécuter (en particulier pour le soliste, qui devait coordonner le déplacement avec la boîte tandis que exécuter un vocabulaire de mouvement complexe).

Bientôt, elle est sortie de la boîte et une autre danseuse a pris sa place, relevant tout aussi avec succès le défi de se déplacer avec la structure ambulante. Ces changements de rôle se sont poursuivis jusqu’à ce que tous les danseurs aient eu la chance de se déplacer dans la structure – en tenant l’espace à leur manière, avec leurs propres manières uniques d’essayer le vocabulaire de mouvement complexe et en couches.

Les danseurs ont fait tourner la structure par points, ajoutant plus de dimensions de mouvement. Si l’on avait tracé des lignes de toutes ces directions de mouvement à travers l’espace, cela aurait été un fascinant labyrinthe d’énergies divergentes et croisées.

Bientôt, l’ensemble est revenu, sous l’éclairage d’en haut et des ailes qu’ils avaient au début – un chœur de déménageurs pour chacun tenir l’espace à sa manière, mais aussi en tant que force cohésive et unie. Des lignes et des courbes précises caractérisaient une grande partie du mouvement, mais les isolations articulaires roulantes et les relâchements de la colonne vertébrale ont adouci cette précision – comme une longue et chaleureuse expiration.

L’éclairage est passé à l’or puis au violet, puis a rempli les costumes blancs des danseurs de ces couleurs – illustrant la possibilité, la polyvalence et l’adaptabilité. Cette palette de couleurs à travers les costumes était aussi simplement fascinante visuellement. Signalant un changement vers une fin, l’éclairage des ailes d’en haut s’est éclairci au point que les danseurs semblaient encore plus une force mystérieuse et éthérée.

Ils s’éloignèrent lentement et les lumières diminuèrent – un moyen efficace pour que l’énergie de la pièce se dissipe et libère doucement sa propre emprise sur l’espace (souvent, je trouve que les fins des œuvres de danse de concert sont abruptes et moins réfléchies que la pièce d’un ensemble – probablement pour des raisons légitimes telles que les chorégraphes manquent de temps ou même d’inspiration et d’énergie créatives).

J’avais l’impression que l’espace bourdonnait de l’énergie de l’expression physique et de l’engagement qu’il venait de contenir. Tout comme les danseurs tenaient l’espace, il les tenait.

Jacqueline Greeni d'Alvin Ailey American Dance Theatre dans 'Cry' d'Alvin Ailey.  Photo de Paul Kolnik.
Jacqueline Greeni d’Alvin Ailey American Dance Theatre dans ‘Cry’ d’Alvin Ailey. Photo de Paul Kolnik.

celui d’Alvin Ailey Cri a été dansée pour la première fois par l’emblématique Judith Jamison, et Jacqueline Green a porté son flambeau en l’interprétant en 2021 – et, j’ose le dire, l’a rendue très fière. Ailey a créé l’œuvre le jour de l’anniversaire de sa mère, comme cadeau d’anniversaire pour elle. Son dévouement était « à toutes les femmes noires, en particulier les mères ». La version 2021 s’est ouverte avec ce même dévouement – un pont profond entre le passé et le présent.

Un autre contrefort sur ce pont était l’emblématique robe blanche à manches longues avec une longue jupe bouffante à volants que Jamison portait danser Cri — tout autant en ajoutant une beauté majestueuse au mouvement déjà magnifique avec les formes et les couches visuelles qu’il a contribuées.

La partition, jazzée aux inflexions mystérieuses, a commencé avant même que les lumières ne s’allument. Les lumières, pour leur part, projettent une lumière et des ombres fascinantes et éclairent doucement Green – mais sinon, la performance passionnée de Green reste concentrée.

Le mouvement de Green a lentement pris de l’ampleur et de la force, passant d’un geste subtil et rempli d’émotions à des mouvements rapides des membres et de son torse – non moins remplis d’émotions. Au début du solo, Green a dansé avec un long et fin tissu blanc. Cela a ajouté de la dimension et des couches supplémentaires à son mouvement, mais ce mouvement est resté l’objectif principal.

Bientôt, elle plia le tissu blanc immaculé et passa à un autre type d’exploration : se déplacer de plus en plus haut dans l’espace, trouver un ancrage et une plus grande proximité avec la grâce du ciel, explorer l’expression et les contours de l’espace avec des mouvement.

L’exploration du mouvement a évolué vers l’action par opposition à l’immobilité, à l’arrêt et au départ – pourtant, Green a magistralement maintenu le mouvement suspendu plutôt qu’arrêté, l’énergie cinétique continuant à travers elle. Malgré une lourdeur à certains endroits, elle a trouvé des moments d’aisance en tournant et en allongeant les membres, semblant flotter.

Le ton a rapidement évolué vers quelque chose de beaucoup plus sombre et réfléchi, la partition racontant des souvenirs difficiles mais l’espoir d’être présent malgré ces souvenirs. Le geste de Green était plein de force mais de malléabilité. Elle a apporté ces qualités à chaque mouvement, à chaque respiration. Elle a rempli le très grand projecteur de sa présence et a offert une masterclass en art de la performance.

Dans un autre contraste satisfaisant, elle a donné un coup de pied haut mais s’est penchée profondément – ​​et vers la fin de la section a trouvé le sol lui-même, ressentant peut-être du réconfort dans son soutien. Pourtant, elle s’est relevée – des gestes incarnant la lutte mais néanmoins la persistance. Puis vint une partition vraiment groovy et puissante, et la maîtrise technique et l’engagement artistique de Green étaient plus clairs que jamais.

En plus d’un sentiment de force encore plus grand, il y avait un nouvel aspect ludique dans cette section; elle balança sa longue jupe d’un côté à l’autre, son torse ondulant librement avec son mouvement, et sourit légèrement alors que sa jambe flottait vers le ciel. Ce mouvement joyeux s’est poursuivi alors que les lumières s’estompaient. Il était clair que ce qu’elle pouvait expérimenter, apprécier et persister continuerait.

C’est ça l’âme : lutter, persévérer, s’élever au-dessus pour se prélasser dans la joie pure. Si ce n’était pas déjà limpide, fonctionne dans la programmation All Access Fall 2021 d’Alvin Ailey American Dance Theatre – et Espace d’attente et Cri en particulier — a démontré que cette entreprise peut la peindre en mouvement comme aucune autre.

Par Kathryn Boland de Dance Informa.