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Danse et art

« Art to Action » d’Artists Climate Collective

Disponible via artistesclimatecollective.org.
Du 31 août au 28 septembre 2021.

Les artistes ont naturellement une plateforme ; ils peuvent parler à travers leur travail. Certains utilisent cette plate-forme pour s’exprimer sur les problèmes du monde qui les intéressent. Les qualités sensorielles et viscérales de l’art peuvent rendre un problème plus vivant, plus résonnant émotionnellement, plus humain. C’était certainement le cas avec le film de danse d’Artists Climate Collective De l’art à l’action. L’organisation « se consacre à utiliser les arts comme un navire pour promouvoir un impact positif dans la lutte contre le changement climatique ».

Quel que soit le point de vue sur le changement climatique, l’engagement et l’authenticité de ces artistes étaient convaincants et louables. L’écoute directe des artistes a également rendu leur travail d’autant plus authentique et riche. Ces choses associées à une fabrication créative réfléchie et compétente de chaque œuvre par chaque collaborateur impliqué, le film était quelque chose que tout spectateur pouvait apprécier. Et certains, s’ils sont enclins à écouter son message, pourraient même passer à l’action – « de l’art à l’action ».

X ans a lancé le programme, le chorégraphe Philippe Jacques partageant le concept de l’œuvre – les jeunes d’aujourd’hui ne peuvent pas toujours profiter du monde naturel actuellement présent et des émotions qui accompagnent cette compréhension. Le court métrage débute avec des danseurs étalés en plein champ, sous un soleil éclatant (travail filmé et montage par Jordan Popowich). Leur regard était distant, regardant bien au-delà d’eux-mêmes, et aussi résolu. Ils se déplaçaient lentement et intensément, comme s’ils étaient conscients de chaque articulation en mouvement et de chaque muscle qui se contractait.

Comme la partition d’ambient electronica (« Untitled » from Burial) monta en volume et sa vitesse accéléra, le mouvement évolua en conséquence : plus expansif, plus accentué, plus technique. Pourtant, les danseurs sont restés centrés sur leur présence, leur concentration et l’espace naturel qui les retenait. À un moment particulièrement poignant, les danseurs se tenaient en ligne et balançaient leurs bras en cercle au rythme du canon. Ce moment m’a rappelé – vivement et dans mes os – que le mouvement le plus simple peut avoir le plus de sens.

Ce vocabulaire de mouvement s’est développé en un mouvement plus grand et plus puissant – que les danseurs ont dansé à leur propre rythme et dans leurs propres signatures de mouvement uniques. J’ai réfléchi à la façon dont, pour apporter des changements dans n’importe quel domaine de la vie, nous devons travailler ensemble tout en apportant nos talents et expériences uniques au travail.

Le score est ensuite passé à quelque chose de plus lugubre. Les danseurs ont à nouveau regardé autour d’eux vers l’espace naturel qui les entourait, s’imprégnant de ce qui n’est pas garanti pour durer. Le score a de nouveau augmenté et j’ai senti un nouvel élément d’espoir – reflété dans les mouvements expansifs, doux mais assurés des danseurs. Entrant et sortant de l’unisson, ils ont trouvé un objectif commun tout en restant fermes dans leur unicité.

Vers la fin, les danseurs se sont joints dans un mouvement presque joyeux et ludique, sautant côte à côte avec les bras levés vers le ciel ouvert. Ce choix reflétait une fois de plus cet espoir, le besoin de trouver la joie et la possibilité qui s’offrait à nous. Les costumes blancs des danseurs reflétaient cette possibilité, comme une ardoise ouverte de ce que l’avenir peut être.

Dans une dernière section de fin, ils ont formé un cercle et sont tombés au sol, se déplaçant pour tendre une joue à la terre, reconnaissant son caractère précieux – apportant de la tristesse au moment. Malgré cette tristesse, un danseur s’est levé et a fait un geste avec conviction, puis a fait signe aux danseurs du cercle comme s’il les appelait à se lever. Avec courage et intention, nous pouvons nous appeler à l’action.

Plus tard est venu Perspective — Un travail en cours, une histoire de connexion et de séparation, de proximité et de distance, à travers l’abstraction. Le chorégraphe Lieland Charles a présenté l’œuvre, partageant son concept des effets du changement climatique sur les relations personnelles. Le film s’est ouvert sur un quintette de danseurs dans une salle blanche très éclairée. La qualité de l’ardoise vierge de l’espace blanc a apporté les spécificités de l’œuvre à un espace plus universel.

Les costumes, de couleurs sombres avec des justaucorps de différentes couleurs, offraient un sentiment de beauté formelle – mais aussi une relativité et une qualité quotidienne qui pourraient également permettre à tout spectateur de se voir dans les relations décrites. Le contraste des costumes sombres et du décor blanc et lumineux était également visuellement clair et attrayant.

Les danseurs, de BalletMet (Columbus, OH), ont commencé à se déplacer en cercle, puis se sont séparés en groupes séparés. Ils ont trouvé des interactions fréquentes avec d’autres danseurs et dans de nouvelles zones de l’espace, apportant une qualité frénétique. Cette qualité reflète l’incertitude, les bouleversements sociaux et le déracinement que les scientifiques nous disent être dans notre avenir si nous n’agissons pas sur le changement climatique.

Le score (en mouvement par Gabriel Gaffney Smith) a apporté une qualité triste et mystérieuse au mouvement – dans un sens que l’avenir est inconnu, mais il contient probablement de la souffrance. Pourtant, les regards clairs et concentrés des danseurs offraient une force d’ancrage au milieu du frénétisme. La chorégraphie était classique, élevée, hautement codifiée, mais le geste et la forme frais la rendaient fraîche et innovante. Cela a permis à ces interprètes de briller dans leurs propres qualités de mouvement individuelles.

Vers la fin, les danseurs se tenaient en ligne et se déplaçaient en canon avec un mouvement simple et clair. Cela m’a semblé être le reflet de l’objectif commun nécessaire à l’action sociale de masse et au changement. Renforçant cet effet, les danseurs ont regardé attentivement la caméra, en fait le public, pendant que le générique défilait. C’était comme s’ils demandaient aux téléspectateurs ce leur l’action sera.

Rêverie était une bouffée d’air frais et un rappel qu’au milieu de multiples crises en cours, la beauté existe toujours dans ce monde. Une danseuse (Anabel Katnelson de l’American Ballet Theatre) s’est déplacée dans un espace vert luxuriant et ouvert, pieds nus et vêtue d’une robe blanche ample. Elle s’est déplacée d’une manière soulevée mais ancrée, libérée mais stable et soutenue. Dans l’air, il y avait un sentiment d’Isadora Duncan de se mouvoir en accord avec les vérités de son corps et celles de la nature.

Le travail a commencé et s’est terminé avec Katnelson se reposant dans l’herbe avec ses mains comme oreillers, d’où « rêverie ». Ce choix m’a fait penser à me reposer dans un parc par une journée parfaitement tempérée et sans nuages ​​et j’ai l’impression que tout est en paix. Aligné avec ce même sentiment harmonieux, tout au long du film, une violoncelliste au centre de l’espace (Sophia Bacelar) a accompagné le danseur avec une partition classique édifiante (JS Bach Suite pour violoncelle Non. 1 en sol majeur — Prélude).

La partition était un morceau de musique indéniablement beau qui peut résonner à travers les âges, et son intemporalité m’a amené à réfléchir sur le passé et l’avenir ; le sens de l’espoir dans le travail pourrait être l’espoir d’un avenir meilleur, et le filtre noir et blanc (travail cinématographique et montage d’Alana Campbell) pourrait offrir une vénération pour le passé.

J’ai aussi pensé à la façon dont, dans un rêve, la notion du temps peut être diffuse et floue. Même avec l’urgence des crises sociales et environnementales auxquelles nous sommes confrontés, et le besoin qui en résulte d’agir vite, nous ne pouvons pas oublier de prendre certains moments pour laisser notre sens du temps être rêveur – laisser cette urgence derrière nous et danser dans la nature, apprécier la beauté de la vie que nous nous battons pour préserver.

Darian Kane Tous les yeux en avant clôturait le spectacle, une œuvre à la fois mémorable de concept et d’exécution. Dans son introduction, Kane a expliqué le concept très unique et audacieux de la nature et de l’industrie personnifiées, et ces forces débattant des droits et de la propriété sur cette terre et ses merveilles. Le mouvement était réfléchi, magnifiquement équilibré entre codification et ingéniosité, et remarquablement exécuté par les interprètes.

Le score (Cc de Gabriel Gaffney Smith) était pleine de tension et de frénétisme, soutenant efficacement l’atmosphère de discorde et le concept qui la sous-tend. Le cadre, un parc industriel avec des bâtiments habillés de graffitis et une zone peut-être autrefois herbeuse maintenant pleine de terre et de béton, a encore renforcé cette atmosphère.

Les costumes aux tons de terre divisent visuellement les danseurs en groupes masculins et féminins. En repensant au concept de nature et d’industrie incarnée et en tension, la nature était-elle ici féminine ? Tout contexte historique et philosophique pris en compte, c’était intrigant à méditer.

En effet, différents couples mettent la nature et l’industrie face à face. À plus petite échelle dans le monde réel, il s’agit de tensions entre une entreprise et une zone forestière individuelle, des plans d’eau ou des tribus autochtones qui font appel à ces ressources pour leur subsistance et leur vitalité spirituelle. Un moment particulièrement poignant a vu un danseur soulevé puis courir sur place tout en étant porté – illustrant les effets indésirables de l’industrie et le manque de consentement des personnes concernées.

La section finale avait les six danseurs se déplaçant principalement à l’unisson, incarnant la totalité de ces tensions et débats individuels. D’une certaine manière, c’est similaire à l’art sur des problèmes plus vastes dans le monde – une fenêtre spécifique sur un problème avec le potentiel de parler de quelque chose de beaucoup plus grand et beaucoup plus universel. Ce sont des artistes qui ouvrent la voie dans ce processus en fabriquant la fenêtre, nourris par leurs convictions et leur engagement.

Ces ingrédients essentiels, ainsi que la réflexion et l’intentionnalité, sont ce qui fait que les travaux ressemblent De l’art à l’action merveilleux – merveilleux à plusieurs niveaux, de quelque chose à simplement apprécier à quelque chose qui peut changer le cours de la façon dont quelqu’un s’engage avec un problème. Avec ce dernier multiplié à plusieurs reprises, cela pourrait bien changer le cours de l’histoire. C’est de l’art à l’action.

Par Kathryn Boland de Dance Informa.