Bilan : le violoncelliste ASO Rainer Eudeikis le héros d’un programme résolument inégal

Il est facile de devenir accro à la musique d’Anna Clyne. L’Atlanta Symphony Orchestra est maintenant sur cette voie satisfaisante.

La compositrice britannique, encore jeune à 42 ans, a écrit plusieurs petits chefs-d’œuvre qui sont largement interprétés, notamment un concerto pour deux violons chargé d’émotion et de mauvaise humeur appelé « Prince of Clouds » et un mémorial intense, discret et douloureux pour sa défunte mère, « Dans ses bras. » Chaque nouvelle pièce de Clyne promet d’être quelque chose de vraiment spécial.

Jeudi au Symphony Hall, l’ASO a joué « Sound and Fury » de Clyne. (En février prochain, l’ASO interprétera également « The Midnight Hour » de Clyne.)

Anna Clyn
L’ASO semblait laisser les nuances inexplorées dans la pièce de la compositrice britannique Anna Clyne. Ils interpréteront une autre de ses compositions en février. (Photo de Christina Kernohan)

« Sound and Fury » semble plus court que ses 15 minutes, en partie parce qu’il est en mouvement constant et tourbillonnant. Dès le début, il y a une grande vitalité de l’orchestre, avec de petites tornades d’activité qui circulent sur la scène. La musique est en six parties connectées et a une sensation absorbante de flux de conscience, entraînant l’auditeur. Il se passe trop de choses pour appeler cela une œuvre d’art minimaliste, mais quelque part au milieu, vous sentez que la musique peut être en boucle ou se déplacer par blocs de son.

Dans sa note de programme, la compositrice dit s’être inspirée de deux sources liées à sa création en 2019 avec le Scottish Chamber Orchestra : Shakespeare’s Macbeth (pour des raisons évidentes) et la Symphonie n° 60 de Haydn, surnommée « Il Distratto », qui partageait ce programme avec « Sound and Fury ». Dans la musique, elle cite des extraits du Haydn, qui a la même esthétique que de beaux meubles anciens dans une maison moderne. Tout est charmant.

Vers la fin, par des haut-parleurs, nous avons entendu une voix (celle du compositeur ?) entonner le fameux soliloque final de Macbeth qui commence par « Demain, et demain, et demain ». Le problème était que l’orchestre, dirigé par le chef invité Alexander Soddy, était trop bruyant. De mon siège, je distinguais à peine le texte, jusqu’à ce que le compositeur fasse calmer l’orchestre sur les mots « C’était une histoire racontée par un idiot, pleine de bruit et de fureur, signifiant » – longue pause – « rien ».

Soddy, un chef d’orchestre anglais qui se spécialise principalement dans l’opéra et principalement en Europe, a reçu des œuvres de deux compositeurs anglais pour ses débuts à l’ASO. Le Clyne s’en est sorti raisonnablement bien à la première audition. Mais la façon dont il a traité les œuvres plus anciennes et familières du programme suggère qu’il a probablement laissé inexploré une grande partie de ce que contient la pièce de Clyne.

Après l’entracte, nous avons entendu le discours de Sir Edward Elgar Variations d’énigmes. C’est une musique qui semble capturer toute une tranche d’histoire et de culture. Je ne suis pas politologue et je ne connais pas grand-chose à l’étrange psychologie de masse qui relie le nationalisme au masochisme et à la xénophobie. Mais il semble que le Variations d’énigmes, et des œuvres similaires de grandeur anglaise, aident à expliquer pourquoi les Britanniques naïfs et nostalgiques ont voté pour le Brexit. Puisque la Bretagne régnait autrefois sur les mers, les couchers de soleil et beaucoup de gens dans des contrées lointaines, la petite île confiante s’imaginait pouvoir à nouveau être maître de son destin en se décrochant de l’Europe. Oubliez la logistique.

Le chef invité Alexander Soddy a fourni un gros effort, mais il semblait parfois que l’orchestre n’était pas investi dans son programme.

Comme le majestueux Variations d’énigmescomposés à l’apogée de l’empire en 1899, les divertissements populaires d’aujourd’hui ont renforcé ces idéaux désormais fanés de pompe et de pouvoir anglais, des films Merchant-Ivory aux drames pour petit écran tels que Downton Abbey et – maintenant que les restaurants pakistanais branchés servent la meilleure nourriture du pays – le multiethnique Bridgerton. Mais l’impulsion est de toujours se délecter des gloires de l’empire.

En tant qu’ensemble de 14 variations sur un thème encore mystérieux (d’où une « énigme »), chaque courte section est une impression musicale d’un membre de la famille ou d’un ami de la scène sociale d’Elgar, étiquetée avec les initiales de la personne. Ce n’est pas un paradoxe que la plus personnelle des pièces semble incarner, à nos oreilles, le son de la Grande-Bretagne. Elgar, le fils d’un accordeur de piano qui s’est marié dans la classe supérieure anglaise, écrivait sur une grande toile qui parlait à sa nation.

Malheureusement, le chef d’orchestre Soddy en a gâché la majeure partie. Tout avait l’air génial, comme si Soddy dirigeait la dernière nuit des bals, avec une tête levée, une posture noble et des gestes grandioses. Mais chaque fois que l’orchestre, pour la plupart incontrôlé et souffle, s’élevait au-dessus du mezzo-forte, le son se transformait en bouillie sonore.

Ou, en parlant de psychologie de masse, peut-être que l’orchestre lui-même était le facteur limitant. Sans directeur musical fonctionnel, approchant de la fin d’une saison longue et émotionnellement épuisante, et avec un professeur suppléant sur le podium, les musiciens étaient comme des écoliers coquins. Si personne n’a dit aux cuivres de jouer tranquillement, pourquoi devraient-ils le faire ? Si les entrées et les gros accords n’étaient pas correctement alignés, qui allait le réparer ? Pour toutes les joies de la création musicale, ce doit être l’enfer d’être un jeune chef invité, de travailler avec un orchestre pour la première fois dans une salle acoustiquement merdique, et les musiciens eux-mêmes ne sont pas vraiment en vous ou particulièrement investis dans votre programme. .

Cet argument — un chef talentueux mais inexpérimenté, un orchestre peu discipliné — est convaincant car tout le monde a joué magnifiquement quand cela comptait vraiment pour eux, pour l’un des leurs.

Rainer Eudéikis
Le violoncelliste principal d’ASO, Rainer Eudeikis, était le soliste et le clou de la soirée ; il envisage de quitter l’orchestre pour rejoindre l’Orchestre symphonique de San Francisco à l’automne.

Le héros de la soirée était Rainer Eudeikis, le violoncelliste principal de l’ASO depuis 2019. C’est un joueur monstre. Dans le Concerto pour violoncelle n° 1 de Dmitri Chostakovitch, son ton puissant, son phrasé élégant et sa technique exigeante ont fait de lui un musicien complet. Soddy a offert des conseils intelligents et minimaux, et tous les membres de l’orchestre étaient sur le bord de leur siège, alertes et ensemble et ne maîtrisaient jamais leur collègue bien-aimé.

Comme le meilleur de Chostakovitch, le premier compositeur de l’Union soviétique, le concerto pour violoncelle est mélodieux et un peu sarcastique et chargé d’une signification voilée et multidimensionnelle. Eudeikis a joué le deuxième mouvement sombre dans des tons tendres et affectueux, et le court duo avec le clarinettiste Ted Gurch ressemblait à une complainte chantante, ou peut-être à une confession privée. Bientôt, la musique devient rêveuse, avec des notes de cauchemar qui se cachent quelque part à l’arrière. Sous les doigts d’Eudeikis, les harmoniques étranges vers la fin étaient à la fois obsédantes et en quelque sorte innocentes, le chant des fantômes effrayés.

La longue cadence de solo est au cœur du concerto, et Eudeikis l’a fait paraître abstraite et lointaine, ou peut-être émotionnellement inaccessible. En tant que personnalité derrière son violoncelle, la seule chose qui lui manque est la mesure finale d’un charisme élevé, où vous, dans le public, croyez que le soliste s’adresse directement et spécifiquement à tu. Peut-être à cause de sa difficulté insensée, dans cette cadence, Eudeikis jouait parfaitement mais restait surtout en lui-même pour son interprétation.

Ces réflexions en solo sont déchirées dans la finale turbulente. Lorsque la clarinette de Ted Gurch revient, il n’est plus le compagnon affectueux du violoncelliste mais un diable glissant, annonciateur d’oppression et peut-être de mort.

L’ASO et leur violoncelliste principal ont livré le tout avec brio, un grand ensemble respirant et jouant à l’unisson. C’est une triste nouvelle pour Atlanta qu’Eudeikis parte pour l’Orchestre symphonique de San Francisco à l’automne. Comme nous l’avons déjà dit, l’ASO passera enfin à un niveau supérieur parmi les orchestres américains lorsqu’il pourra conserver ses meilleurs joueurslorsque l’ASO lui-même est la destination.

Le programme se répète samedi à 20h

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Pierre Ruhe était le directeur exécutif fondateur et rédacteur en chef de ArtsATL. Il a été critique et journaliste culturel pour le Poste de Washingtonde Londres Financial Times et le Atlanta Journal-Constitution, et a été directeur de la planification artistique de l’Orchestre symphonique de l’Alabama. Il est directeur des publications de Musique ancienne Amérique.

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