« Bleu jusqu’en juin » du Festival Ballet Providence

Le centre familial et culturel Woodman, Providence, RI.
30 avril 2022.

« La danse est une musique rendue visible », affirmait George Balanchine. Certains artistes de la danse ergoteraient sur ce sentiment, car la belle danse ne peut avoir d’autre partition que le son des pieds et de la respiration des danseurs. Pourtant, la danse peut rendre la musique physique d’une manière qui approfondit le sens à portée de main et, à d’autres moments, crée simplement quelque chose d’indéfiniment émouvant.

Avec des musiciens en direct aux côtés des danseurs et un travail chorégraphique qui peint la musique avec des corps en mouvement, le Festival Ballet Providence Bleu jusqu’en juin illustre cette capacité de la danse à donner à la musique une forme cinétique. Inventif, audacieux et poignant, le programme clôturait la saison 2021-2022 de l’entreprise et n’est pas de sitôt oublié.

Bariolage, du conservateur artistique du Festival Ballet Providence, Yury Yanowsky, a lancé le programme. Le travail a réuni un mouvement réfléchi et un design saisissant pour piquer à la fois l’esprit et le cœur. Le rideau s’est ouvert sur de petites lumières posées sur la scène, en formation pentagonale, tandis que les danseurs se tenaient en ligne à l’arrière – face à la scène.

Ils se sont dirigés vers les lumières et les ont ramassées, et pendant un certain temps se sont déplacés avec elles à la main. Avec un faible éclairage (d’Alicia Colantonio) au-dessus de la tête, ils se sont également allumés. J’ai réfléchi à trouver la lumière à l’intérieur quand tout le reste semble sombre. Alors qu’ils dansaient avec leurs lumières privées à travers diverses formes et voies, j’ai pensé à diriger intentionnellement la lumière – pour nous-mêmes et ceux que nous aimons. Portant des costumes aux tons chair, l’ensemble pourrait être n’importe quelle communauté ou n’importe quel individu dans le public.

Leurs corps étaient une toile ouverte pour une telle réflexion et expérience de vie, mais aussi pour peindre la musique sous une autre forme : directement sur scène sous nos yeux. Se déplaçant à travers la chorégraphie de Yanowsky – adoucissement et remodelage audacieux du vocabulaire classique, comme toujours – les danseurs ont également donné vie à la partition (de Shinji Eshima). Ils se déplaçaient à l’unisson, mais pas de façon robotique. Avec le violoncelliste Emmanuel Feldman et la bassiste Pascale Dalache-Feldman à quelques pas des danseurs, et de nous en tant que spectateurs, je pouvais sentir la rencontre de la musique et du mouvement – ​​comme une expérience totale – jusque dans mes nerfs et mes os.

Plus tard dans le travail sont venus des duos et des trios, avec le mouvement et les changements entre ces sections mercurielles : imprévisibles, dynamiques, passionnantes. Dans ces sections ultérieures, les danseurs ont également placé leurs petites lumières sur le Marley près des coulisses, faisant une ligne verticale du haut vers le bas. Leurs lumières personnelles avaient répandu la lumière au-delà d’eux-mêmes. Pour la fin de la pièce, le collectif est revenu danser dans cette lumière élargie. Ils avaient vraiment donné vie à la musique et à leurs propres lumières intérieures, pour que les uns et les autres puissent en profiter.

Suivant Bariolage était une autre pièce de Yanowsky, au bout du. Conformément à la norme du Festival Ballet Providence (du moins dans les programmes post-COVID que j’ai personnellement vécus), chaque pièce du programme était précédée d’un court métrage contextualisant l’œuvre à venir – avec des images de répétition et le témoignage du chorégraphe et les membres de l’ensemble.

Le film d’introduction de ce travail, en particulier, a encadré son travail à venir d’une manière qui suscite la réflexion. Yanowsky a expliqué comment COVID a mis la mise en scène du travail en attente, et – comme quelque chose auquel nous pouvons probablement tous nous rapporter, dans une certaine mesure – il a continué à se demander si nous étions « à la fin » de cette pandémie mondiale, et le travail pourrait enfin être mis en scène comme il l’envisageait. « C’est à la fin des choses que nous semblons coincés », a noté Yanowsky : un sentiment qui semble convaincant et poignant au-delà de l’époque du COVID. Le dernier kilomètre peut sembler le plus long, où que ce kilomètre nous mène.

Tout comme avec Bariologele vocabulaire du mouvement a amené la musique (Bach’s Suites pour violoncelle) à la vie physique sur la scène devant nous – avec la musique d’un violoncelliste soliste remplissant le théâtre. Un mouvement plus lent, parfois rempli de pauses et tenant une forme, incarnait une ligne d’harmonie régulière. Un travail gestuel beaucoup plus rapide, ainsi que des formes et des transitions techniquement difficiles, incarnaient une ligne mélodique active. Vers le début de l’œuvre, ces deux modes de mouvement étaient asynchrones – les danseurs se déplaçant à tour de rôle – évoquant une tension entre l’action et la stase.

La partition est passée à une autre orchestration, mais les danseurs sont restés à peindre la musique avec leur corps même. Par paires, les danseurs s’enlacent et se délient, convergent et divergent, tandis que les lignes d’harmonie et de mélodie de la partition font de même. Une esthétique élégamment dépouillée – des costumes aux tons de terre dans des coupes simples, un éclairage qui recouvrait la scène dans des tons de terre similaires sans effets superflus – a soutenu ce sens des danseurs en tant que médias pour amener la musique à une forme émouvante et respirante ; l’absence d’autres couches visuelles permettait aux danseurs d’apparaître comme de tels agents visuels, comme des toiles vierges.

Pourtant, l’âme que les danseurs offraient pouvait également amener certains à voir quelque chose de plus humain, et peut-être même de plus narratif, à portée de main – et, comme pour tout art, personne ne pouvait qualifier cela d’invalide. La fin, bien que curieuse au départ, pourrait être interprétée de manière aussi humaine et narrative. Une danseuse s’est éloignée de l’ensemble – vigoureusement, avec voracité – tandis qu’ils formaient plus lentement un tableau d’elle-même. La dynamique ici était celle de l’individuel et du collectif.

Individuellement ou collectivement, ce dernier kilomètre peut nous donner l’impression de ne pas avancer du tout. Dans l’action ou la stase, dans des approches plus calmes ou plus actives, de l’intérieur de nous-mêmes ou de la communauté, nous pouvons trouver la force et la sagesse dont nous avons besoin pour continuer à avancer – et des éléments comme au bout du peut rendre tout cela plus clair.

Trey McIntyre Bleu jusqu’en juinà la fois stimulant et viscéralement captivant, clôturé le programme. Le témoignage de McIntyre a également éclairé cette pièce, en termes de récit et de concept, dans une introduction vidéo avant celle-ci. Il a noté comment, pour lui, la musique pop peut donner aux jeunes une vision hyperbolique et sucrée des relations amoureuses. Une grande partie de la pièce – qui illustrait de nombreuses relations amoureuses et des situations au sein de ces relations – en découlait, a-t-il expliqué.

[I did ponder if having artists so explicitly share the meaning of their work, for them, does have a downside: that of shaping audience members’ views before they’ve even seen it. The alternative would be them coming to the work with no preconceived notions, and drawing the conclusions they will from seeing it Yet I personally enjoy getting a lot of context about a work before seeing it, and I think the advantages of deeper understanding and appreciation outweigh that potential downside.]

Tout au long de la pièce, les membres de l’ensemble ont perdu le poids et l’adhérence de ce que la culture pop a façonné leurs conceptions de la romance, a-t-il ajouté. En tant que tel, ce travail a façonné la musique et la forme physique d’une manière différente de l’œuvre de Yanowsky – apportant un récit, plutôt que des éléments tels que le ton, le rythme et l’atmosphère sonore, dans une forme physique.

En effet, l’œuvre partageait de petits épisodes au sein de relations amoureuses : le partenaire les quittant pour une autre personne, l’engouement dévorant pour de nouvelles relations, le type unique de solitude qui découle du fait d’être célibataire alors que (du moins, cela peut sembler) tout le monde ne l’est pas. , et beaucoup plus. Des choix intrigants dans la structure, la mise en scène et la qualité du mouvement ont également soulevé des questions sur l’impact de ces situations sur une communauté plus large au-delà de la personne ou de la paire de personnes qui directement les expérimenter.

L’ensemble a dansé tous ces récits sur la voix superposée et obsédante d’Etta James («la royauté du blues», comme l’intitulait le programme). La chorégraphie de McIntyre a surfé sur les vagues de son crooning et de ses riffs, un surf sur la musique que l’ensemble a accompli avec ténacité et confort technique. Les ballerines portaient des pointes et une grande partie du mouvement semblait assez classique – plus ou moins dans différentes sections. Pourtant, McIntyre a également insufflé une pleine respiration et une libération de la colonne vertébrale dans cette base classique. Le résultat était quelque chose de formé et soutenu, mais aussi ancré et d’une évocation obsédante.

Les costumes (de Sandra Woodall) ont aidé à construire davantage ce monde de peut-être – ahem – mélodramatique histoires d’amour: piétonnes mais aussi lumineuses et avec une touche des années 1960. L’éclairage (d’Alicia Colantonio) a servi un objectif similaire. Au début de l’œuvre, les danseurs s’avançaient vers le bas de la scène tout en étant baignés d’une lumière rouge foncée – le rouge étant associé à la passion, à la romance et aussi au conflit. Dans des sections plus harmonieuses, et aussi dans certaines sombres, des bleus de différentes teintes éclairaient les danseurs – le bleu comme couleur d’harmonie et de contemplation, mais aussi de tristesse.

Malgré la présence d’un tel conflit passionné ou d’une contemplation solitaire et triste dans la pièce, la fin a apporté quelque chose de plus léger et de doucement joyeux – des qualités à travers lesquelles je pouvais le plus clairement voir la perte de ces récits de la culture pop et des mœurs autour de la romance, ceux auxquels McIntyre avait fait référence. Deux danseurs ont doucement dansé un slow. À ce moment-là, il semblait que l’un pour l’autre, leur présence suffisait.

Dans le programme global, la présence incarnée de la compagnie – en harmonie avec son propre corps, celui des autres danseurs et avec la complexité en couches de chaque partition musicale – était plus que suffisante. Bleu jusqu’en juin a démontré la force esthétique et viscérale qui peut résulter lorsque le mouvement peint la musique sous une forme physique. Dans un monde d’efforts constants, de jugement de nous-mêmes et des autres, et d’incertitude omniprésente, rappelons-nous à quel point cela peut vraiment être plus que suffisant.

Par Kathryn Boland de Informations sur la danse.







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