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Danse et art

« Caché » de Rachel Linsky – Danse Informa Magazine

Première virtuelle via Zoom.
12 septembre 2021.

Muscles tendus, os lourds, estomacs qui barattent et grondent, têtes nageant de douleur et de nausée : la privation, le traumatisme psychosocial et l’isolement se manifestent dans notre corps même. Le corps pourrait-il être un moyen de partager des histoires de ces phénomènes, de la manière dont nous nous sommes blessés les uns les autres, au sein de l’histoire humaine ? Qu’est-ce que cela pourrait signifier pour notre compréhension de l’histoire au-delà de ces histoires individuelles, et comment pouvons-nous nous améliorer mutuellement à l’avenir ?

Si l’art de la danse peut être une avenue pour de tels moyens, une œuvre comme le film de danse de Rachel Linsky Caché se présente comme une pièce A du travail avec cette capacité. Linsky a produit et réalisé le film, ainsi que l’a chorégraphié en collaboration avec les danseurs. Il a été tourné en résidence au Chelsea Theatre Works et rendu possible grâce à une subvention de la Fondation Russell J. Efros. Caché fait partie du travail plus long de Linsky, Zachor.

Le film a été inspiré par Je vois toujours ses yeux obsédants : l’Holocauste et un enfant caché nommé Aaron, les mémoires du survivant de l’Holocauste Aaron Elster. Afin d’éviter d’être retrouvé par les forces nazies, Elster est resté caché dans un petit grenier pendant deux ans. L’accent mis sur cette histoire a souligné que survivre dans un camp de concentration n’était pas la seule façon dont les personnes touchées ont vécu l’atrocité.

De plus, le fils d’Elster, Stephen, assistait à la première – qui parle souvent publiquement de l’histoire de son père, l’Holocauste, et s’oppose au genre de haine qui mène au génocide. Linsky a noté que Stephen faisait partie du processus dès le début. Le voir assister à la projection ressemblait à un lien poignant, bien qu’indirect, avec la personne dont l’histoire illustrait l’œuvre.

Un autre lien avec cette histoire était la façon dont, comme elle l’a partagé dans une conférence d’avant-spectacle, Linsky a fait lire les mémoires à son ensemble de danseurs avant le début du processus de répétition, et les premières répétitions comprenaient une discussion approfondie sur le texte et l’histoire d’Elster. Dans une discussion après le spectacle, quelques danseurs ont témoigné de la façon dont tout cela a conduit à des performances plus profondes et plus véridiques de leur part. Ils ont également discuté de l’importance de prendre soin d’eux-mêmes et des autres lorsqu’ils sont plongés dans un travail sur un sujet aussi lourd.

Un danseur a également expliqué qu’il se sentait responsable en illustrant l’histoire de la survivante. D’autres ont raconté un échauffement « émotionnel » pour la répétition afin d’entrer dans le bon espace mental et émotionnel pour le poids émotionnel du travail. Tous ces partages ont soulevé des questions autour des artistes en général et du poids du travail qu’ils portent, et ce qu’ils doivent faire pour protéger leurs propres esprits, cœurs, âmes tout en créant et en réalisant un travail émotionnellement éprouvant.

Le film s’est ouvert avec des ombres de personnes en mouvement s’étendant sur un grand mur de briques, ce qui m’a amené à penser au secret de me cacher du danger (tournage et montage par Olivia Moon Photography/Halfsasianlens). Cela m’a également fait réfléchir sur la nature anonyme des statistiques déchirantes : nombre de morts tués dans l’Holocauste, d’autres génocides et guerres ; « Un mort est une tragédie, des milliers de morts est une statistique », comme le dit l’adage.

Apprendre les histoires de vraies personnes qui ont enduré le pire de la nature humaine, en particulier à travers la nature viscérale et sensorielle de l’art, peut nous aider à comprendre que dans ces nombres se trouvent de vraies personnes avec des êtres chers, des espoirs, des rêves, des luttes quotidiennes, etc. .

La section suivante avait des danseurs séparés se déplaçant seuls dans un petit espace de maison – de forme triangulaire comme un toit, donc probablement un grenier. Il y avait très peu dans cet espace, juste un petit four et un ou deux autres petits meubles (conception scénique par Mindy Phung). Ce vide a renforcé les sentiments d’isolement et de subsistance nue dans l’histoire d’Elster.

Les interprètes avaient des manières variées de se déplacer dans l’enceinte du grenier ; certains occupaient tout l’espace disponible autour d’eux (aussi confiné soit-il), tandis que d’autres se déplaçaient davantage à l’intérieur et prenaient moins d’espace. Cette variété de qualités de mouvement a démontré comment nous, en tant qu’individus avec des histoires personnelles et des tempéraments variés, réagissons tous différemment à la tragédie.

Dans leurs propres sections, à différents moments, les danseurs se couchaient sur le côté et tournaient leur corps en rond en courant avec leurs jambes et en gardant la tête et les épaules comme un point stable. Cela m’a semblé être un sentiment d’enfermement incarné, mais malgré cela, la volonté humaine de s’élever au-dessus de rester forte – ou du moins de rester à un scintillement, si terne parfois jamais complètement éteint.

À d’autres moments, certains interprètes ont peint une image physique de l’accablement total de l’expérience actuelle. Par exemple, une danseuse a agressivement frotté sa peau puis a regardé ses mains comme si elle remettait en question la réalité et cherchait la preuve que tout était réel (plutôt qu’un terrible cauchemar).

Une autre danseuse a crié silencieusement, ouvrant grand la bouche mais aucun son n’en sortait. J’ai pensé au besoin de garder le silence et de ne pas pouvoir piétiner, crier et gémir pour faire sortir les émotions de l’horreur de ce qui se passait. De la même manière, plus tard, les danseurs ont fait un pas et ont étendu une jambe en hauteur, mais ont ensuite adouci l’atterrissage avec une main, comme s’ils craignaient de ne pas être entendus.

En somme, le mouvement était géométrique et accentué, mais aussi parfois dégagé et lâche comme dans une totale résignation. Les gestes dans le vocabulaire du mouvement étaient originaux et émotionnellement résonnants. Les danseurs étaient remarquablement engagés, honnêtes et investis dans leurs performances.

Plus tard, l’ensemble s’est déplacé ensemble dans un espace plus grand, plus vaste qu’ils ne le pouvaient dans le petit grenier. Une partie du vocabulaire de mouvement dans la section plus large, bien que plus expansif et en formation avec d’autres danseurs plutôt que les solos précédents, faisait écho au vocabulaire de mouvement géométrique vu dans les premières sections solo. J’ai pensé à la façon dont même lorsque les confinements, les limitations et les traumatismes sont supprimés, la façon dont nous nous déplaçons dans le monde peut toujours refléter la façon dont nous avons dû nous déplacer pour survivre lorsque ces choses étaient encore là.

L’espacement et les formations étaient clairs et convaincants. Les cercles m’ont fait penser aux cycles de l’histoire, à la violence et à la guérison. L’art et la sensibilisation peuvent-ils commencer à briser ces cycles ? Une personne assistant au Q&R post-spectacle a noté que les artistes ne sont pas là pour résoudre les problèmes de l’humanité, mais ils pouvez « semer les graines de la compassion » et révéler les uns aux autres notre humanité partagée – les graines de ce qui peut commencer à briser ces cycles de haine et de reconstruction vers l’amour.

Dans cette section, ainsi que dans les sections de début, des partitions variées accompagnaient les danseurs, toutes solennelles et mystérieuses. Le discours faisait également partie de la partition, vers la fin, l’orateur notant que ce n’est pas seulement une chose du passé ; il y a de la violence contre les populations marginalisées et des boucs émissaires en 2021, nous devons donc être conscients que quelque chose comme l’Holocauste pourrait se reproduire. Nous devons lutter contre la haine afin d’endiguer cette marée.

Il a été révélé lors de la conférence d’après-spectacle que l’orateur était Stephen en conversation avec les danseurs. Cela ressemblait à des histoires transmises de génération en génération, et le flambeau de ne pas laisser ces histoires être oubliées également transmis.

Stephen a expliqué que l’incitation à la discussion était «plus jamais ça» et que ces mots – moins l’action individuelle et collective – sont totalement inadéquats. Il a encouragé un apprentissage, une compréhension et une action plus approfondis à travers l’art et au-delà. Les collaborateurs étaient également clairs dans une conviction partagée que l’histoire à portée de main est un Humain histoire et pas seulement une histoire juive.

Dans le spécifique comme dans le général, l’art comme celui de Rachel Linsky Caché peut viscéralement ouvrir une fenêtre sur les histoires du passé – pleines à la fois de traumatismes et de triomphes – et offrir ainsi le cadeau d’une plus grande compréhension. Cela peut-il faire du monde un endroit plus gentil et plus connecté à mesure que l’avenir progresse ? Cela vaut certainement le coup, et l’expérience de l’art magnifique en cours de route est à coup sûr quelque chose à chérir.

Par Kathryn Boland de Dance Informa.