Casse-Noisette du Festival Ballet Providence

Le théâtre commémoratif des vétérinaires, Providence, RI.
19 décembre 2021.

Casse-Noisette, bien que plus jeune que de nombreux ballets d’histoire, est tout à fait un classique. Compte tenu de sa popularité et de sa portée à travers le monde, on pourrait raisonnablement affirmer qu’il est la ballet classique des classiques du ballet. COVID a forcé de nombreuses compagnies de danse à réimaginer à quoi pourrait ressembler la tradition des fêtes. La montée du discours sur des problèmes sociaux importants a également conduit de nombreuses entreprises à réfléchir plus profondément à la manière dont elles peuvent contribuer à propulser un changement positif.

Le Festival Ballet Providence, de son côté, a dû rapidement passer à une version filmée fin 2020. Cette saison, les choses étaient à un endroit avec COVID (localement et à plus grande échelle) que la compagnie pouvait apporter son casse Noisette retour sur scène. Le Festival Ballet Providence, avec Kathleen Breen Combes à la barre en tant que directrice et Yury Yanowsky contribuant à la chorégraphie, a profité de ce retour pour repenser audacieusement l’esthétique et l’atmosphère du ballet des Fêtes : pour être plus inclusif et unique, naturaliste tout en étant magique, moderne tout en honorant le casse Noisettel’histoire de l’histoire.

De plus, cette nouvelle vision (que la société a également appelée une «première mondiale») offrait juste assez de taille et de flash pour créer un facteur «wow» sans devenir ostentatoire ou campy. Victorien par son esthétique mais moderne par son atmosphère, il marie à merveille le classique et le contemporain. Combiné avec l’opportunité de revivre la casse Noisette dans un grand théâtre chic encore une fois, assister à ce programme m’a ramené la magie des vacances – et je parie que je n’étais pas le seul dans le public ce jour-là.

Le rideau s’est levé et la première chose que nous avons vue dans le public était une toile de fond magnifiquement peinte, représentant un pays des merveilles hivernal juste à l’extérieur d’une maison de style victorien bordée de conifères (décoration par Peter Horne). Des invités enthousiastes, avec des cadeaux en main, se sont précipités vers le Silberhaus pour une fête de vacances. Cette jolie toile de fond du pays des merveilles hivernales s’est levée pour révéler une maison Silberhaus qui était tout aussi exquise, sans que rien ne soit inauthentiquement «exagéré».

Commençant à forger son caractère, Clara (Charlotte Seymour) a salué ses parents, poli et gracieux. Pendant ce temps, son petit frère Fritz (Cullen Gamache) jouait avec un cerf-volant jouet, visiblement pas soucieux de casser les décorations des fêtes. Bientôt d’autres enfants l’ont rejoint, ainsi que leurs parents. Les garçons étaient droits et gentleman et les filles gentiment élégantes. Ces enfants semblaient être plus âgés que ceux de nombreux casse Noisette productions – comme pour de nombreuses productions cette année, probablement le résultat des âges d’éligibilité à la vaccination COVID.

Cette production en a tiré le meilleur parti en présentant ces jeunes comme de véritables pré-adolescents ou de jeunes adolescents, renforçant ainsi le naturalisme que la production avait déjà commencé à construire. Accentuant cette qualité, Harlequin (Katherine Bickford) et Columbine (Kailee Felix) ressemblaient plus à des poupées réalistes grandeur nature que ces personnages dans de nombreux casse Noisette productions : leurs mouvements plus humains que saccadés ou mécaniques et leurs costumes plus comme des parures d’époque que des costumes de jouets.

Les adultes qui dansaient à la fête, à leur tour, étaient le summum de l’élégance de la salle de bal – apportant d’autant plus d’authenticité. Avec les singeries de Herr Drosselmeyer (Moisés Martín) en jeu, même la bonne (Maria Rogler) s’est jointe à la danse. Les ours panda dansants auraient bientôt leur part dans la gaieté (et, naturellement, les plus jeunes participants étaient fascinés par ces créatures sauvages et exotiques). En gardant tout cela réaliste, les ours ont rampé à quatre pattes. Même avec des éléments aussi légèrement magiques, tout était suffisamment naturaliste pour que j’aie l’impression de regarder une scène de la vie réelle se dérouler – d’accord, peut-être avec un bouffon tel que Drosselmeyer tirant des ficelles magiques !

Clara, pour sa part, offrait de belles lignes et une chaleur enfantine. Seymour était un déménageur particulièrement fort, d’une manière qui incarnait la passion et la conviction de la jeunesse, mais aussi accueillie dans la douceur. À minuit, à la lueur de sa bougie et de la lumière violette baignant l’espace (Lighting Design by Brandon Stirling Baker), elle a vu la magie commencer véritablement. Battle Scene a apporté d’autres choix de conception intrigants, tels que la cavalerie (soldats portant de grands chevaux costumés, la conception et le concept des costumes de Judanna Lynn et Emerald City Theatrical) et l’éclairage s’est tourné vers le rouge sang de la bataille.

Cependant, toute cette tension s’est dissipée avec la scène de neige éthérée et magique. Little Snowflakes portait des lumières, plus magiques et moins réalistes pour cette production (mais de toute façon délicieuses). De plus grands flocons de neige ont créé des motifs envoûtants à travers l’espace scénique, ceux qui illustraient l’uniformité mais aussi des points d’individualité – comme le vent soufflant de la neige dans différents motifs dans l’air.

Par exemple, de longues lignes traversant la scène de droite à gauche ressemblaient à de la neige qui tombait continuellement, mais parfois quelques-uns de l’ensemble se détournaient dans leur propre direction. Cette juxtaposition a apporté de l’imprévisibilité mais aussi de l’harmonie à la scène. Kirsten Evans en tant que reine des neiges a offert une rapidité et un feu à son mouvement, comme la morsure des flocons de neige entrants sur son visage, mais aussi avec une fluidité qui rappelle la beauté naturelle et facile de la neige.

Tout cela s’est déroulé devant une autre toile de fond d’une beauté mémorable, d’un pays des merveilles hivernal à feuilles persistantes et rempli de neige illuminé brillamment une pleine lune. Tout aussi époustouflants, les costumes en bleu et blanc, certaines parties tranchantes et d’autres courbes, contenaient toutes les qualités d’un paysage enneigé et glacé.

Alors que la scène touchait à sa fin, Clara et son prince Casse-Noisette (Kobe Atwood Courtney) sont partis dans une calèche tirée par des rennes alors que les flocons de neige, la reine des neiges et le roi (Alex Lantz) leur ont dit au revoir. Cela a mis le suspense pour l’acte II; où allaient Clara et le prince, et que trouveraient-ils là-bas ?

L’acte II nous a amenés au Pays des Bonbons. Nous avons rencontré la fée Sugar Plum (Nina Yoshida) : douce, effervescente et éthérée – tout comme une créature d’un autre monde comme elle le serait ! Les habitants de cette terre, qui allaient bientôt danser pour Clara, se sont joints à Sugar Plum et se sont inclinés. Drosselmeyer était également de retour, tirant toujours des ficelles magiques. Derrière eux, il y avait encore une autre toile de fond éblouissante, d’un vaste paysage de collines et de forêts – qui donnait l’impression qu’il s’agissait d’un monde à part entière, avec des possibilités illimitées.

Le chocolat chaud était un pas de deux, dansé par Katherine Bickford et Audrey Lukacz, offrant des opportunités d’apporter le dynamisme des ascenseurs. Ils ont utilisé des castagnettes, qui ont ajouté une autre couche rythmique et infusé davantage de naturalisme. Arabian Coffee a construit une relation convaincante entre les deux personnages, dansée par Tara McCally et David DuBois. McCally a commencé voilée, mais DuBois l’a dévoilée – ce qui, en conjonction avec le mouvement serpentin et ondulant à suivre, a offert quelque chose de subtilement sensuel. Un faible éclairage lavande a infusé quelque chose de mystérieux dans tout cela.

Aligné sur le grand dessein de cette production dans son ensemble, Tea est accompagné d’un dragon dansant du Nouvel An chinois. La soliste, Kailee Felix, était fraîche et vive à travers les sauts et les virages rapides de la variation. Cette chorégraphie a pris des risques et des approches nouvelles, en fait, y compris un travail au sol (pas souvent vu dans le ballet classique !). Le massepain français était une peinture pastorale, pleine d’aisance et de luminosité. Une soliste a commencé (Madeline Glinski), puis ses moutons l’ont rejointe ! Elle a bien frappé les accents mais a également permis à tout cela de rester continu, en s’alignant sur les couches musicales de la partition.

Mother Ginger (Joshua Tuason) est lentement entré, avec un géant jupe, pour lancer sa déclinaison avec les Polichinelles. Cette jupe géante a vraisemblablement permis aux enfants plus âgés de s’y cacher puis d’en sortir, étant donné la disponibilité des vaccins et les limites d’âge ultérieures pour l’admissibilité au casting (quelque chose qui, d’après ce que je peux dire, a conduit d’autres casse Noisette programmes cette année pour omettre cette variation). De plus, c’était un autre élément créatif qui correspondait à la sensibilité esthétique ambitieuse, mais pas tout à fait exagérée, de la production du Festival Ballet Providence.

Rencontrant la grandeur du design et infusant davantage de plaisir enfantin, Clara et Drosselmeyer se sont joints à la danse des Polichinelles. Deux Polichinelles ont profité d’un dernier moment d’acrobatie avant de retourner sous l’énorme jupe de Mère Gingembre – commune à cette déclinaison, mais qui pourtant semble ne jamais manquer de ravir ! Le Trepak russe a offert son plaisir de haut vol typique et impressionnant. Un choix intrigant et assez original avec cette production était le Prince Casse-Noisette dansant également cette variation.

Drosselmeyer, pour sa part, était manifestement encore en train d’orchestrer la magie ; avec quelques vagues d’un bras il a inauguré les Fleurs. Leurs jupes étaient dans une palette plus sombre que ce qui est commun avec cette variation – qui était alignée sur l’esthétique de cette production, mais construisait également le sentiment d’un jardin de roses rouge-marron (ou de poinsettias rouges, plus saisonnières !). L’ensemble a apporté l’élégance simple et naturelle des roses pour démarrer. Comme pour la scène de neige, la symétrie et l’asymétrie se sont réunies pour créer un sens de l’ordre complexe de la nature, mais intrinsèquement sage et fructueux.

Dew Drop (Anna Lisa Wilkins) s’est déplacée d’une manière agréablement sans hâte, laissant les notes se déplacer à travers elle dans une qualité legato (ce qui, en vérité, nécessite une technique et un contrôle solides pour atteindre). The Sugar Plum et son cavalier (Mamuka Kikalishvili) sont ensuite montés sur scène pour la Coda, remplissant la grande scène de leur virtuosité et de leur art pleinement investis. Cavalier a apporté une aisance débonnaire à sa force, et la qualité ponctuée de Sugar Plum a fonctionné à merveille avec la qualité de boîte à musique vive de son coda solo.

Continuant à faire bouger tout cela, Drosselmeyer a fait signe aux habitants du pays des bonbons (qui avaient dansé pour Clara) de faire une dernière danse et de lui faire ses adieux. L’ensemble était merveilleusement vivant et rythmiquement au point, et c’était agréable de les voir danser de cette manière – en particulier après ces nombreux mois de COVID.

Après cette longue période, nous, dans le public, avons pu revenir pour profiter d’une nouvelle audacieuse et rafraîchissante Casse Noisette, l’un du 21ème siècle mais qui a également maintenu l’essence de la tradition de vacances vivante. L’audace de l’innovation et le savoir-faire éprouvé – nous aurons besoin des deux à mesure que nous avançons à partir d’ici. Assurons-nous également de vivre la magie de l’art en direct, pendant et en dehors de la période des fêtes, comme nous le faisons !

Par Kathryn Boland de Dance Informa.







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