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Costumerie et autonomie corporelle – Dance Informa Magazine

Je discutais récemment avec un ami qui danse dans une compagnie de ballet. Tout en rattrapant son retard, elle s’est plainte que les danseurs étaient obligés de porter des costumes qu’aucun d’eux n’était en faveur. Désormais, les danseurs ne sont pas étrangers aux costumes étranges. Nous portons ce qu’on nous dit, que ce soit du papier bulle ou un complet en fourrure. (Attendez de lire certaines des histoires ci-dessous.) Mais les scrupules des danseurs avec les tenues n’étaient pas seulement qu’ils étaient bizarres; c’était qu’ils étaient révélateurs, fabriqués à bas prix et laissaient les danseurs sujets à de graves dysfonctionnements de leur garde-robe lors de l’exécution.

J’ai mes propres expériences similaires et je soupçonne que presque tous les danseurs le font. J’ai décidé d’envoyer le signal de la chauve-souris parmi ma communauté de danse et de demander aux autres quelles ont été leurs pires expériences de costumage. Dans le flot torrentiel de réponses, de nombreux danseurs ont déclaré que ce n’était pas le costume étrange ou inconfortable qui les dérangeait autant que le refus de leur metteur en scène ou chorégraphe d’écouter leurs préoccupations.

Le directeur de la compagnie de ballet susmentionnée n’a pas voulu bouger sur la question, invoquant la vision artistique du chorégraphe comme justification. Il a estimé que c’était la norme de l’industrie pour le créateur de dicter ce que ses danseurs portent. Et vous savez? Il n’a pas tort. La norme de l’industrie est le problème ici. Et il y a une différence entre la tradition et une mauvaise habitude.

Avec la réouverture de nos studios et le réveil de l’industrie, c’est le moment idéal pour inspecter nos pratiques acceptées. Où allons-nous tracer la frontière entre la vision créative d’un metteur en scène ou d’un chorégraphe et l’autonomie corporelle de ses danseurs?

Certaines des anecdotes qui ont découlé de mes recherches étaient amusantes, à propos de danseurs portant des costumes ridicules qu’ils n’auraient jamais choisis pour eux-mêmes, et cela n’a fait qu’ajouter de manière très discutable à l’art de la pièce.

Mais d’autres anecdotes étaient des exemples de cette même liberté créative allant trop loin, mettant à contribution la sexualité et la sécurité des danseurs. On dit aux danseurs de tomber dans des masques avec une vision restreinte, on leur dit de danser en talons aiguilles (sans entraînement) sur un sol râpé, on leur dit de porter des uniformes transparents lors de démonstrations de conférences à l’école élémentaire sous des lumières fluorescentes. Contes classiques de jeunes danseurs vêtus de costumes adaptés à leur âge pour les compétitions et d’adultes poussés à se produire nus.

Malgré les problèmes évidents dans les situations ci-dessus, où tracer la ligne n’est pas nécessairement une question facile. Une règle de base pourrait être: ne mettez pas vos danseurs dans des costumes qui gênent la chorégraphie, qu’ils soient physiquement restrictifs ou mentalement distrayants. (Il est difficile de se concentrer sur ce que vous faites lorsque vous avez peur de flasher le public.) Mais la nature de notre forme d’art est de savoir quoi faire de notre corps. Il existe une dynamique de pouvoir inhérente centrée sur la physicalité, si souvent liée au sentiment de soi d’un danseur. C’est pourquoi les troubles de l’alimentation et d’autres problèmes de santé mentale sont monnaie courante dans de nombreux contextes de danse. C’est aussi pourquoi une communication ouverte et la confiance entre les danseurs d’entreprise et la direction sont si vitales. C’est le seul moyen d’éviter les lignes floues.

Si un danseur est prêt à utiliser la nudité ou d’autres choix artistiques – notez que je dis les choix – pour faire avancer une vision artistique, super! Mais si un contrat saisonnier qui ne contient aucune mention du costume en question (ou même des costumes en général) est utilisé à la place du consentement, remettons en question cette norme. Si un danseur de ballet est censé troquer son tutu et ses collants contre un bikini en maille fragile, il devrait être autorisé à soulever des inquiétudes sans craindre des ramifications. Même si un danseur est embauché pour un spectacle de nature délibérément sexuelle – par exemple, un spectacle burlesque – les attentes costumées doivent être établies en premier, et non utilisées pour tenir le travail de l’artiste en otage après avoir été embauché. Nous devons également déraciner la honte de l’engagement; En aucun cas, refuser de devenir nu ne vous empêche d’être un «vrai artiste».

Quand un danseur dit qu’un costume ne fonctionnera pas, croyez-le. Travaillez avec eux. Malheureusement, ce n’est pas ce qui s’est passé dans le cas de l’entreprise mentionnée. Lorsque deux danseurs ont eu le courage de prendre la parole, ils ont été retirés de la pièce, refusés de payer pour toutes les répétitions précédentes, retirés des tournées de printemps et d’été et ont dit qu’ils «ne seraient pas nécessaires pour les dates futures». Les deux danseurs sont actuellement en conversation avec plusieurs avocats.

En tant que créateur, ne voudriez-vous pas travailler avec des artistes qui voient votre vision et qui recherchent les mêmes questions artistiques que vous? Lors de l’embauche des danseurs avec lesquels vous travaillerez, dans quelle mesure évaluez-vous votre compatibilité artistique? Les voyez-vous comme des artistes eux-mêmes, ou les voyez-vous simplement comme des corps sur lesquels placer votre art? Ce dernier est trop enraciné, pas étonnant que nous nous retrouvions dans ces situations.

À l’avenir, nous pouvons peut-être nous tourner vers les normes que le cinéma et la télévision ont mises en place pour les costumes des acteurs. Nous pouvons intégrer des clauses de nudité dans nos contrats et exiger des frais supplémentaires dans ces circonstances. Et n’abordons pas seulement la nudité, mais aussi la sécurité et l’aspect pratique. Nous pouvons promouvoir une communication ouverte entre les danseurs et les metteurs en scène, et réécrire la norme pour ce que les danseurs sont invités à mettre et à supporter. Créons des conversations plutôt que des attentes, et rappelons-nous que nos danseurs sont des artistes et des gens, pas des toiles vierges sur lesquelles accrocher notre ego.

Par Holly LaRoche de Dance Informa.