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Danse et art

Critique : Dance Canvas à Atlanta Contemporary passe du chagrin à la joie

Ce fut une journée émouvante avant même le début de la performance 2021 Dance Canvas Summer Artist Residency au pavillon extérieur d’Atlanta Contemporary samedi soir. Les médias ont couvert le 20e anniversaire du 11 septembre toute la journée et à mi-parcours du spectacle, trois avions militaires ont rugi au-dessus (un survol commémoratif ?)

Il était difficile de ne pas penser au 11 septembre dans « The Shadows Whispered Secrets » de Kerri Garrett, la première œuvre du programme. Les deux danseurs, l’un en blanc et l’autre en noir, ont marché sur le sol en béton de l’espace, essuyant la poussière imaginaire de leurs vêtements, puis plongeant dans des plis profonds et répétés des genoux et des rouleaux d’estomac avant de se lever, de lever les yeux et d’atteindre leurs bras et de voleter. les mains vers le ciel.

Et quand ils ont crié, quand ils sont tombés au sol, quand une voix dans la partition a dit : « Laissez la poussière retomber » et « respirez » et « priez », quand nous avons regardé le tissu rouge sang suspendu au-dessus des chevrons en acier, et le tissu noir s’étendait à travers l’espace à l’arrière – eh bien, il était difficile de ne pas se sentir saturé de chagrin. L’intention de Garrett, selon le programme, était d’aborder le chagrin et l’horreur de la migration forcée et de l’oppression en cours, pas le 11 septembre ; l’émotion a fonctionné de toute façon.

Yvonna Hoba dans « The Shadows of Whispered Secrets » chorégraphié par Kerri Garrett

Comme les quatre autres œuvres de la soirée, « The Shadows » a changé d’ambiance. Les battements des mains plus près du corps sont devenus des expressions de peur – les deux femmes se sont accroupies et se sont tenues l’une l’autre, offrant un réconfort. Puis, au son des percussions africaines, ils sont passés à nouveau à la vitesse supérieure vers un vocabulaire rythmé africain et jazz, découvrant la joie.

Ces œuvres de danse contemporaine – un riche voyage du chagrin à la joie – ont été créées lors de la résidence d’été de huit semaines de Dance Canvas. (Le musée a fourni l’espace de répétition.) Tôt dans la soirée, deux trains gémissaient et cliquetaient sur les voies ferrées voisines, un son approprié pour le thème qu’Angela Harris, directrice artistique exécutive de Dance Canvas, avait donné aux chorégraphes – la migration.

« Untold » de Kae Kristina a été inspiré par les émeutes raciales d’Atlanta en 1906 au cours desquelles de nombreux Noirs ont été brutalement assassinés. Le duo a commencé avec deux danseurs exécutant un style de vaudeville sur un chiffon de Scott Joplin – un premier spectacle de ménestrel? Un placage de vaudeville couvrant la colère, la peur, le chagrin, l’oppression ? Comme le décrit la partition sonore, une foule blanche a attaqué la communauté noire le 22 septembre 1906. Le moment le plus puissant a été lorsque les danseurs ont chacun pris une lanterne et un petit nœud coulant et, dos au public, ont baissé la tête sur le côté. , puis s’agenouillant ensemble dans un long silence brûlant. Les sections les moins efficaces étaient lorsqu’elles dansaient face aux côtés de l’espace. Sans lien visuel ou mouvement avec le public, la puissance de la chorégraphie a été perdue.

Porter Grubbs, un homme queer (ils/leurs), a choisi la migration vers l’Alabama natal de Grubbs comme thème du solo « Red Dirt Junction ». Grubbs a couru dans l’espace en tenant une boule de tulle blanc qui s’est finalement déroulée et enroulée autour de leur tête et de leur visage, avant de passer d’un pantalon et d’un haut noirs à une salopette en denim bleu – leur identité en Alabama – et de passer doucement, de manière fluide et lyrique à la musique bluegrass. C’était comme si rentrer chez lui en Alabama dans ce travail donnait à Grubbs la permission de rentrer chez lui avec sa propre identité.

Shawny Evans/Humlao (ils/leurs) ont commencé leur travail par un chant micronésien envoûtant appelant à la paix, à la joie et à l’amour. (Evans s’est produit de manière inattendue parce qu’un de leurs danseurs était malade du Covid.) « Ta’hasso I Tinituhon » a été inspiré par l’histoire de la création micronésienne. La plupart de l’action pour le trio, qui portait des tuniques audacieuses noires, blanches et brunes sur des ceintures rouges, s’est déroulée au fond de l’espace.

"Tokoliana" par Indya Childs

« Tokoliana » de Childs a fourni une finale exubérante et pleine d’énergie à la soirée.

Le rythme méditatif lent et le vocabulaire réfléchi ont fait bon usage des murs, les trois danseurs s’effondrant contre eux comme s’ils manquaient de force pour se tenir debout (cette création sortait-elle de terre ?) enfin ils ont migré sur le devant de la scène, pleinement présents, pleinement créés. Un geste répété efficace était un bras tendu vers l’avant, l’index pointé. Cela m’a rappelé un geste similaire dans la célèbre peinture de la chapelle Sixtine de Michel-Ange représentant Dieu créant Adam, l’histoire de la création chrétienne. Peut-être y a-t-il ici une leçon de connexion au sein de la différence culturelle.

« Tokoliana » d’Indya Childs a terminé la soirée avec une exubérance presque ininterrompue – coups de pied, virages, sauts, danse d’inspiration africaine ancrée dans le jazz et vice-versa, exprimant « l’espoir et la connexion ancestrale infusés dans la communauté noire ». Childs a décrit ses danseurs comme des moteurs spirituels, et ils étaient en effet des moteurs d’énergie spectaculaires, en particulier Charray Helton. Grande, puissante, flexible, son corps explosa en mouvement, encourageant les autres à la rencontrer là-bas. Lorsque cinq des six danseurs se sont allongés en ligne, leur immobilité avait sa propre énergie, comme elle l’a fait après un mouvement si intense. Qu’il est beau de terminer la soirée sur cette note joyeuse. Un autre train passa bruyamment, mais il y avait eu trop de créativité et de richesse émotionnelle pour que le bruit – et la lente migration du train – ne nous dérangent plus.