Critique: « Homos » n’arrête jamais de se chamailler dans une pièce étrangement mise en scène à Out Front

Toutes les histoires d’amour ne sont pas des romances dignes d’être évanouies. Dans la production de Out Front Theatre Company de Homos, ou tout le monde en Amériquel’histoire de la relation homosexuelle est parfois un drame, mais trop souvent un casse-tête.

Écrite par Jordan Seavey, la pièce raconte les hauts et les bas d’un couple gay à Brooklyn de 2006 à 2011. Elle présente de nombreuses disputes et des querelles intelligentes. Les deux personnages centraux, qui ne portent pas de nom, ne cessent de râler longtemps. Nous les regardons alors que l’histoire passe d’une scène à l’autre au cours de leur fréquentation, et ils semblent rarement trouver de la joie à être ensemble.

Bien qu’il réussisse à être drôle à certains moments, ce n’est pas amusant à regarder.

L’écrivain, joué par Tyler Sarkis, et l’universitaire, joué par Niko Carleo, se rencontrent sur Friendster et ont un premier rendez-vous désastreux. Ils sont tous les deux nerveux, alors l’écrivain décide de trop boire et de se défoncer, même s’il ne peut pas le supporter. Il vomit à plusieurs reprises au milieu du bar, ce qui oblige l’universitaire à ramener l’écrivain dans son appartement pour dormir.

Si Chen incarne un vendeur qui réconforte l’écrivain (Tyler Sarkis) après une tragédie.

Ils s’embrassent le lendemain matin, avant même que l’écrivain ne puisse se brosser les dents, et c’est le début agressivement étrange de notre romance centrale, qui savoure parfois être quelque chose d’effronté et potentiellement désagréable.

Le titre lui-même est un défi pour le public, car il comporte un mot déclencheur qui peut être conçu comme une insulte homosexuelle, même si nous sommes tous homo sapiens. C’est l’histoire d’une relation homosexuelle, en particulier, mais c’est aussi une relation humaine qui reflète ce qui se passe lorsqu’un couple ne parvient tout simplement pas à trouver un terrain d’entente.

Certains dialogues visent également à défier la zone de confort du public. Il y a des blagues antisémites qui font grincer des dents sur le recouvrement de factures par un personnage juif. Le couple passe une grande partie de son temps à négocier sur l’infidélité et les plans à trois. Il y a des références franches au sexe anal et aux poppers, une drogue améliorant le sexe utilisée par certains membres de la communauté gay.

Bien que ces discussions soient directes, elles ne sont pas charmantes. Le public est censé être attiré par les risques effrontés et audacieux pris dans le dialogue. Mais la production d’Out Front place la plupart des spectateurs à une distance malheureuse du matériel.

Les décisions de mise en scène maladroites prises par la réalisatrice Mandy Mitchell pour adapter l’histoire dans un espace plus grand font que la pièce perd beaucoup de son rythme, de son urgence émotionnelle et même de son choc. Le scénario demande que la pièce soit jouée en ronde-bosse dans un très petit espace, comme un théâtre de boîte noire. Sa production off-Broadway de 2016 a placé tout le public sur des contremarches des deux côtés d’un espace de jeu étroit, ce qui a rendu le spectacle inconfortablement intense et personnel, selon Le New York Times.

Ici, la scène d’Out Front est une avant-scène traditionnelle, et la majeure partie de la pièce se déroule devant le public, en hauteur et à distance. Pour concéder à mi-chemin à l’intention rapprochée de Seavey, Mitchell a placé une poignée de sièges pour le public sur la scène. Mais comme la plupart des spectateurs sont assis normalement, cette approche ne fonctionne pas. Le public plus large regarde parfois les membres sélectionnés du public, au lieu de la pièce.

À un moment donné lors de la soirée d’ouverture, les membres du public sur la scène ont commencé à saluer les autres personnes qui les regardaient. Comme cela s’est produit lors d’une dispute particulièrement intense lorsque l’écrivain et l’universitaire ont fui la scène, cela a brisé la tension nécessaire de l’histoire, provoquant à la place des rires.

Au milieu d’une autre querelle, le couple a traversé l’auditorium et, faisant semblant de traverser les rues, a commencé à parler à des membres du public au hasard. Cela s’est retourné contre lui lors de la soirée d’ouverture. La participation était clairsemée et répartie entre les sièges, ce qui rendait l’espace entre le couple et le public caverneux, au lieu d’être intime.

Étant donné que le scénario traite des problèmes auxquels la communauté gay a été confrontée de 2006 à 2011, des références sont faites à la loi sur la défense du mariage et à Don’t Ask, Don’t Tell, ainsi qu’à des références culturelles aléatoires au maire de New York des années 1980, Ed Koch. La chronologie de l’histoire est présentée en fragments, cependant, il est souvent impossible de dire à quelle période la pièce se joue.

Dan (Angel Fabian Rivera, en boa de plumes) s’avère un obstacle attrayant à la relation au centre de « Homos, ou tout le monde en Amérique ».

Au-delà de cela, deux autres personnages, joués par Angel Fabian Rivera et Si Chen, se présentent pour de brèves scènes pour interagir avec et tenter le couple. Mais ces personnages n’ont pas beaucoup de profondeur ou de définition.

Contrairement à la mise en scène de février de Demi-vie brillante à Theatrical Outfit, cette histoire d’amour brisée entre ces homosexuels n’est pas aussi chaleureuse, engageante ou romantique. Homos, ou tout le monde en Amérique vous devriez avoir l’impression d’écouter une conversation osée ; au lieu de cela, les personnages expriment des bons mots en appuyant sur des boutons de trop loin. Cela rend les choses inefficaces.

Alors que la pièce se dirige vers un violent dénigrement gay, le virage inconfortable et plus sombre donne l’impression d’être une relique clichée. Le public reçoit depuis longtemps ces récits de souffrance, d’abus et de mort chez les homosexuels. Les vies gays sont plus riches que cela, et le public mérite ces histoires.

Parmi le casting, Sarkis et Carleo sont séduisants, mais leur couple manque de feu. Ils s’embrassent rarement et ne semblent pas poussés par le désir même lorsqu’ils parlent graphiquement de sexe.

Sarkis est drôle et l’écrivain obtient les meilleures répliques du scénario. Mais comme tant de lignes se produisent pendant les combats, l’esprit se sent vidé en raison du ton de la livraison.

Parmi les éléments techniques de la production, la conception de l’éclairage par Beate M. Czogalla mérite des éloges particuliers. Au moment où les scènes commencent à se dérouler dans un hôpital, les lumières sur scène ont soudainement pris une luminosité d’éclairage sur rail, ce qui a souligné la gravité de ces scènes. C’était une bonne idée.

::

Benjamin Carr, membre de l’American Theatre Critics Association, est un journaliste et critique d’art qui a contribué à ArtsATL depuis 2019. Ses pièces ont été produites au Vineyard Theatre de Manhattan, dans le cadre du Samuel French Off-Off Broadway Short Play Festival, et du Center for Puppetry Arts. Son livre Impacté a été publié par The Story Plant en 2021 et est nominé pour le Georgia Author of the Year Award dans la première catégorie de roman.

Vous pourriez également aimer...