Catégories
Danse et art

« Emergence » du Festival Ballet Providence – Dance Informa Magazine

L’étape d’orthopédie universitaire, Providence, RI.
18 juin 2021.

Des performances en direct apparaissent dans des endroits partout aux États-Unis, suivant les directives ajustées du CDC COVID, permettant aux membres du public et aux artistes d’être à nouveau en communauté pour le bien de l’art en direct. Assis là à attendre le retour sur scène du Festival Ballet Providence — son Émergence programme — c’était étrange mais aussi confortablement familier d’être assis dans un public avant une représentation, de feuilleter le programme et d’observer le décor préréglé sur la scène. Des arbres imposants et le ciel ouvert étaient au-dessus de la scène extérieure et des sièges, la nuit un peu nuageuse mais aussi parfaitement tempérée.

Les autres membres du public étaient joviaux et amicaux, me rappelant comment les arts vivants rassemblent des communautés d’étrangers – des étrangers depuis peu de temps. Un annonceur a donné l’accueil typique et a demandé d’éteindre les appareils électroniques, et mon cœur a sauté d’excitation excitée. Le programme à suivre était audacieux et mémorable, avec des premières qui démontraient la polyvalence des artistes de la compagnie ainsi qu’un fort esprit de collaboration. Des œuvres plus classiques ont suivi, illustrant la gamme louable d’intérêts et de capacités de l’entreprise.

Festival Ballet de la Providence.  Photo de Dylan Giles.
Festival Ballet de la Providence. Photo de Dylan Giles.

Iouri Yanowsky Même (2019) a donné le coup d’envoi du programme, un travail agréablement énigmatique d’ingéniosité et de prise de risque – à la fois dans la conception et la chorégraphie. Pour commencer, des danseurs en robes noires contrastaient avec un danseur portant des tons de terre dorés (costumes de Lyuba Yanowsky). Les danseurs en noir ont placé des boîtes blanches sur le côté de la scène – un autre point d’opposition esthétique. Un groupe plus important s’est joint et ils ont commencé à exécuter un vocabulaire de mouvement dynamique : accentué, angulaire, élevé dans l’ensemble mais n’ayant pas peur de l’espace bas et se déplaçant sur et à travers le sol de la scène. Le geste inventif m’a intrigué, avec l’initiation des mains et des pieds presque comme si les membres avaient une volonté propre.

J’aurais seulement souhaité que la scène soit plus grande ; pour moi, cela ne pouvait pas tout à fait contenir l’énergie et l’expansivité collectives des danseurs. Hélas, nous faisons ce que nous pouvons en ces temps de pandémie sans précédent. Une deuxième section de groupe principal, avec un mouvement un peu plus lent et plus interne, s’est mieux traduite sur l’espace scénique tel qu’il était. Une section encore plus tardive était particulièrement agréable et mémorable, les danseurs faisant des rythmes sur les boîtes et sur leur propre corps avec un rythme et un unisson parfaits. Cela m’a fait réfléchir, pendant un instant, à l’habileté musicale inhérente aux danseurs d’élite. En ce qui concerne les boîtes, je n’étais pas sûr de la signification exacte qu’elles pouvaient signifier, mais elles m’ont attiré et ont offert beaucoup de possibilités créatives.

Pour clôturer la pièce, un excellent duo de Charlotte Nash et Azamat Asangul : fondant, serpentin et imprévisible. Ils se sont emmêlés et démêlés, changeant continuellement de forme. Les libérations courageuses à la gravité de Nash sont devenues des ascenseurs imaginatifs entre la paire. Peut-être le plus mémorable, cependant, était un lent va-et-vient du poids d’un pied à l’autre, Nash pêchant de côté dans chaque direction avec Asangul derrière elle.

Ce mouvement simple avait tant de beauté et m’a rappelé que le mouvement le plus épuré peut offrir le plus de sens et de potentiel esthétique. La partition, de John Knowles, parlait de l’amour restant même lorsque les gens qui détiennent cet amour changent. Alors que les danseurs prononçaient leur révérence finale, j’ai pensé que ce genre de fin sur un duo ou un autre petit nombre de danseurs n’était pas aussi typique que de terminer avec un grand groupe. C’était un choix parmi tant d’autres qui rendait la pièce unique, vivante et mystérieuse.

Une allocution de la directrice Kathleen Breen Combes a apporté une signification concrète supplémentaire – nous avons tous changé par rapport à ce qui s’est passé au cours des 16 derniers mois, mais nous restons déterminés à nous rassembler dans l’amour de l’art et à prendre soin les uns des autres. Elle a également souligné la facilité et les prouesses physiques des danseurs même après n’avoir pas pu se produire sur scène au cours de la dernière année. J’ai applaudi leur dévouement et leur talent avec le reste du public ; le premier morceau seul avait rendu ces choses indéniables.

La première mondiale de Cordes, également par Yury Yanowsky, vint ensuite — un quatuor de musique à cordes classique (de Johann Sebastian Bach) qui offrait un mélange agréable et harmonieux d’éléments contemporains et classiques. Il est sorti tout de suite avec un bang virtuose et accrocheur – y compris des niveaux changeants rapidement dans l’espace et un virage difficile – correspondant à la qualité allegro de la musique instrumentale dès les premières notes. Au fur et à mesure que la pièce progressait et que les trois autres danseurs se joignaient au mouvement vigoureux, des qualités de mouvement clair et intentionnel sont devenues claires ; ils se sont déplacés avec une base classique de lignes fortes mais aussi les qualités contemporaines de la libération de la pression de la gravité et de gestes frais et convaincants.

Les danseurs portaient des justaucorps couleur chair (correspondant à leurs différents tons de peau), se sentant comme des ardoises vierges pour le mouvement et l’expression. Dans un sens néoclassique, ils se sentaient comme des incarnations de la musique plutôt que comme des personnages individuels. Même ainsi, même juste dans une phrase canon d’un saut et d’un changement d’attitude, leurs signatures de mouvement séparées étaient merveilleusement évidentes.

Même s’ils dansaient le mouvement apparemment sur la musique, la forme et une esthétique impressionnante, leur individualité qui brillait à travers cela le rendait d’autant plus satisfaisant. Même dans leurs différences, les quatre danseurs se sont réunis en un tout harmonieux. C’est sans doute l’idéal avec un groupe de danseurs – et partout dans le monde.

La première mondiale de À l’infini a suivi ce travail, le premier grand concert de Eugenia Zinovieva, membre de la compagnie Festival Ballet Providence. C’est une pièce réfléchissante et stimulante avec des éléments de mouvement et de conception illustrant que moins peut être beaucoup plus. Le travail a également démontré la polyvalence de la compagnie, le danseur Jay Markov composant la partition originale et la danseuse Emily Lovdahl concevant les costumes. Un soliste a commencé à bouger pour commencer la pièce, se déplaçant d’une manière soyeuse et sinueuse.

Un autre soliste est entré et a commencé à danser, et le premier soliste l’a observé bouger – commençant à instiller l’idée de nous regarder nous-mêmes et les autres. Cette idée d’observation est revenue à des moments ultérieurs de l’œuvre, ajoutant d’autres niveaux de sens. Ces solistes ont répété des variations sur le thème de phrases discrètes du vocabulaire du mouvement. Cela a insufflé une autre idée que la chorégraphie a renforcée tout au long de la pièce – celle de répéter les comportements et les manières d’être, à l’infini. (« à l’infini » ou pour toujours en latin).

Un groupe plus important s’est joint et ce sentiment de mouvement répété s’est poursuivi – avec de nouvelles formations, qualités et altérations dans l’enchaînement des mouvements, empêchant tout cela de devenir périmé. Les sections non à l’unisson ont ajouté une opposition convaincante, et les sections apparemment improvisées ont permis aux danseurs de se déplacer de la manière la plus organique à leur corps. Dans l’ensemble, le mouvement était davantage motivé par la sensation intérieure que par le désir de danser « grande » ou de démontrer une quelconque prouesse technique. Avec de nombreuses couches intrigantes à décoller et à apprécier, cela a démontré que le mouvement n’a pas besoin d’être voyant pour être fort et impressionnant.

Festival Ballet de la Providence.  Photo de Dylan Giles.
Festival Ballet de la Providence. Photo de Dylan Giles.

Une autre touche intrigante était la façon dont, dans les formations d’une section de groupe intermédiaire, des danseurs portant deux costumes différents – un style piéton agréablement coloré et façonné – se sont mélangés en deux groupes différents. Ce choix m’a rappelé que nous ne nous intégrons pas toujours bien dans des « camps » ou des « côtés » discrets de problèmes dans le monde – aussi bien que nous pourrions le penser.

Les danseurs très à l’écoute de leur propre mouvement et de leur propre corps, et la chorégraphie profondément intentionnelle, tout cela m’a donné une pause pour me demander quels comportements je répète encore et encore qui ne me servent pas. Qu’est-ce que les autres voient de moi que je ne vois pas ? C’est matière à réflexion.

Le programme a pris une tournure plus classique avec un joli pas de deux de Dame des Camillas, une agréable variation classique recontextualisée au moderne dans cette interprétation. Kirsten Evans, vêtue d’une courte robe blanche et d’une grande fleur blanche dans les cheveux, a dansé avec taille et engagement mais aussi précision et réflexion de placement (sans rigidité, ce qui est la clé). Son partenaire, Alex Lantz, a dansé avec des qualités similaires, ce qui en fait une excellente équipe.

Le programme a été clôturé par la suite de mariage de don Quichotte, une séquence amusante de personnages principaux et secondaires qui dansent joyeusement à tour de rôle sur toute la scène. Zinovieva, chorégraphe de À l’infini, a dansé Kitri – démontrant une gamme frappante de compétences et d’intérêts.

Dans un programme avec une bonne quantité de travail mystérieux et stimulant (et un excellent travail de ce genre, bien sûr), terminer le programme sur une note de joie simple et de beauté semblait être un excellent choix. Bravo au Festival Ballet pour ce retour audacieux et très satisfaisant sur scène, avec un large éventail de styles, de collaborations et de contributions polyvalentes, et le courage de prendre des risques créatifs.

Par Kathryn Boland de Dance Informa.