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Danse et art

Erasing Borders Dance Festival – Dance Informa Magazine

21-27 septembre 2020.
Streaming sur YouTube.

En tant qu'écrivain de danse et profondément imprégné de nombreuses sous-communautés de danse, j'entends parler de nombreux spectacles. Je ne peux pas tous les voir. Pourtant, parfois, une promotion de performance attire mon attention – dans une publication sur les réseaux sociaux, un e-mail que je n'ai presque pas lu ou une mention d'un ami. Même si je me sens trop occupé pour y assister (ou ces jours-ci, le visionner via un film), je le fais fonctionner pour vivre la performance. Je suis presque toujours aussi content de l’avoir fait. Cela me rappelle presque toujours qu'il n'y a pas de pénurie d'art merveilleux, le produit de personnes imaginatives et dévouées qui se mettent dans le monde. C’est comme trouver à chaque fois un trésor dans un lieu attendu.

Erasing Borders 2020 de l'Indo-American Art Council Festival était exactement tout cela pour moi. Il présente chaque année des artistes de danse indienne classique et contemporaine, et le festival de cette année devait naturellement être virtuel. À bien des niveaux, j'ai eu l'impression que le festival avait effacé les frontières – les frontières avec mes propres intérêts typiques en tant que passionné de danse, les frontières sur les façons dont nous prenons généralement dans ce festival et d'autres, les frontières culturelles grâce à l'exposition à l'art d'une autre culture, et beaucoup plus.

Œuvre contemporaine de Vishwakiran Nambi Bûcher a été la première œuvre du festival que j'ai vue. Dans le film présenté avant le film de l'œuvre, racontant sur un film de lui dansant, il explique comment l'expérience que son art crée pour les spectateurs est beaucoup plus importante pour lui que toute signification particulière qu'ils peuvent emporter. Le mystère et la confluence esthétique du début de cette œuvre témoignent de cet intérêt et de cette perspective. Des sons résonnants résonnent alors que les danseurs marchent lentement sur scène – enlacés de manière inhabituelle, soutenant d'autres danseurs et étant soutenus par eux. Une fois en formation, la qualité et le timing du mouvement passent de 180 degrés à frénétiques et rapides.

Vishwakiran Nambi.
Vishwakiran Nambi.

Cette tension entre différents moments et qualités est courante dans une grande partie du travail. En plus de la facilité des danseurs, de l'éclairage évocateur et des rythmes attrayants de la partition, cela m'amène dans cette expérience. De manière plus profonde, c’est une incarnation de l’expérience elle-même, la vie étant un voyage sur d’innombrables spectres entre les opposés.

Une autre tension répandue dans le travail que je peux voir dans le travail est celle entre l'individu et le collectif, et les individus dans le collectif se soutiennent (ou ne se soutiennent pas) les uns les autres et le collectif lui-même. La plupart du temps, les danseurs bougent à l'unisson – gestuels, ancrés mais aussi avec une élévation ascendante et incroyablement rythmés. Des pas simples et des gestes plus complexes créent même une harmonie esthétique qui ressemble presque à la transe. À d'autres moments, le partenariat et le travail en solo – à travers des formes et des manipulations de lois physiques que je ne pense pas avoir jamais vues auparavant – parlent d'actions consistant à maîtriser les autres, à soutenir les autres et à s'opposer délibérément au puissant courant du plus grand. groupe.

Les danseurs marchent à l'unisson vers le haut de la scène, et les lumières et la musique s'estompent jusqu'à ce que la pièce se termine. Vient ensuite un autre court métrage qui partage plus de contexte autour du travail, à travers de courtes interviews des danseurs et de Nambi. Le chorégraphe explique la signification du titre, en référence à la pratique spirituelle de marcher sur des charbons ardents. Il est fasciné par l'idée que les gens traversent une lutte incroyable pour la promesse d'une vie meilleure ou d'un rêve, explique-t-il, et ses propres luttes et celles de ses danseurs vers ce qu'ils recherchent ont été un fourrage créatif pour la pièce.

Les expériences et les réflexions des danseurs sont également intrigantes à entendre – comme la nature rythmique de l'œuvre ayant des parallèles avec Bharatanatym, s'ajustant à l'unicité de ce style et ajoutant leurs propres influences à travers le processus créatif, et les façons de travailler sur la pièce sont devenues qui change légitimement leur vie. D'un autre côté, ce haut niveau de contextualisation semble être en tension avec l'idée de mettre l'accent sur l'expérience du public plutôt que sur le sens – et, en général, j'ai toujours l'impression qu'il y a quelque chose à dire pour laisser suffisamment d'inconnu pour que les membres du public se retirent. avec leur propre signification et expérience très personnelles du travail. Néanmoins, sur le plan intellectuel et expérientiel, il est très agréable pour moi d'entendre la voix de ces artistes et le processus créatif fascinant derrière Bûcher.

Ensuite, je regarde une œuvre de Bharatanatym dansée par Mesma Belsare et chorégraphiée par Maya Kulkarni. Sur scène et éclairé par les projecteurs, Belsare commence accroupi, bas dans l'espace, se déplaçant lentement et pensivement. Son costume classique d'or et de rouge – bracelets, clochettes, coiffures – lui donne un sentiment royal. La musique instrumentale indienne classique l'accompagne – offrant énergie, joie et profondeur émotionnelle à travers sa gamme tonale. Le geste, le positionnement physique et l'expression du visage semblent raconter une histoire. Je ne parle pas le langage physique de cette ancienne forme de danse, et en la regardant, je veux pouvoir le faire. Pourtant, elle raconte clairement une histoire et est de toute évidence captivée par la narration en tant qu'interprète, ce qui est toujours agréable à vivre.

Mesma Belsare dans 'Shilpa Natana'. Photo de Gajen Sunthara.
Mesma Belsare dans «Shilpa Natana». Photo de Gajen Sunthara.

Des mouvements tels que faire le tour de ses bras horizontalement, comme pour remuer un plat en train de cuire sur une cuisinière, véhiculent la domesticité. Pour finir, elle tend la main – les bras en «v», regard vers le ciel – et nous voyons son estomac bouger avec le souffle accéléré de son travail physique. J'adore ces moments où les danseurs trouvent le calme après s'être exercés, et nous voyons leur souffle travailler dur; la façon dont ils ont investi leur corps et leur esprit dans le travail est si joliment claire dans ces moments.

Atteignant grand, elle prend de la place tout comme elle fait de l'oxygène – forte et fière en sa présence. Quoi qu'il se soit passé dans cette histoire, cela me suffit. Dans la discussion qui a suivi le spectacle, Belsare et Kulkarni discutent de la manière dont, en danse, leurs intérêts pour la musique, le mouvement et les arts visuels se sont réunis. Cet amour de la danse comme confluence de dons sensoriels est tout à fait apparent dans le travail dynamique et satisfaisant. Kulkarni discute également de la différence entre simplement raconter par la danse et incarner véritablement l'histoire par l'expression et l'engagement physique. Belsare illustre ce dernier – un élément clé de la raison pour laquelle le travail m'a captivé, je pense.

Enfin, je regarde C’est un nouveau départ, avec chorégraphie et concept de Divyaa Unni et voix / musique de Bhagyalakshmi Guruvayur. C’est une belle union de mouvement et de musique dans des espaces extérieurs mémorables. Les gestes et le jeu de jambes classiques d’Unni sont précis mais pas rigides. Le chant de Guruvayur est tout aussi assuré et dynamique. L'énergie est optimiste et joyeuse alors qu'elle raconte une histoire à travers le mouvement, une belle partie du Bharantanym comme une forme d'art.

Une partie de moi veut connaître l'histoire elle-même, mais il y a quelque chose à dire sur la forme d'art présentée dans sa forme la plus vraie et la plus authentique – et qui je suis pour demander autre chose. L'énergie passe à un moment donné, à quelque chose de plus lent et de plus contemplatif. Ses gestes deviennent plus révélateurs d'actions courantes: manger, cuisiner, saluer quelqu'un. Ce changement rend l'action du récit moins opaque pour moi.

Divyaa Unni. Photo de Jamesh Kottakkal.
Divyaa Unni. Photo de Jamesh Kottakkal.

Le prochain changement implique son déménagement dans des endroits de plus en plus modernisés et de plus en plus influencés par l'homme – un parc avec des arbres taillés, à l'arrière d'un immeuble avec des panneaux de stationnement, et enfin un coin de rue urbain où elle entend des coups de feu. Sur ce, elle s'accroupit de peur. Devant une clôture en bois, elle danse avec férocité et concentration intense; l’effet de ce qu’elle a entendu et vu semble avoir pénétré profondément ses os et ses tendons.

Elle retourne au bord de la rivière où elle a commencé, apparemment soulagée et joyeuse de retrouver un lien sûr avec la nature. La dernière partie du film la fait danser – avec une intention et une passion claires – dans un champ grand ouvert, des gratte-ciel en arrière-plan. Elle semble avoir trouvé une sorte d'équilibre entre le naturel brut et le produit artificiel. L'éclairage et la tranquillité tranquille de l'espace évoquent une harmonie nouvellement retrouvée.

Pour finir, ses mains viennent à son cœur et elle s'accroupit. «Shanti, shanti, shanti», chante Guruvayur – «paix, paix, paix». Unni et ses artistes qui l'accompagnent semblent offrir une prière pour la race humaine – pour «un nouveau départ» où, après COVID, nous reconstruisons un monde meilleur pour nous tous. Je reste réfléchi, touché émotionnellement et inspiré pour bouger – bouger mon propre corps et bouger pour un monde meilleur. De tels trésors peuvent être trouvés dans des endroits inattendus, alors gardez les yeux ouverts. Vous ne le regretterez pas.

Par Kathryn Boland de Dance Informa.







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