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Danse et art

Industrie de la danse COVID-19: regard vers l'avenir

La danse de concert signifie que de nombreuses personnes se sont réunies dans un espace confiné – le public, les membres d'équipage, les artistes interprètes et le personnel de façade. C’est le simple fait. Dans un monde où il est incertain de savoir quand (et si) nous pourrions avoir un vaccin contre COVID-19, à quoi ressemble l’avenir de la danse de concert professionnelle? Ce que nous savons, c'est qu'il y a eu beaucoup de pertes – argent, élan créatif, opportunités pour les danseurs (dont les carrières de performance peuvent déjà sembler trop courtes) et plus encore.

D'un autre côté, il peut y avoir un côté positif à tout cela, aussi léger qu'il puisse parfois sembler. À travers toutes les difficultés financières, l'incertitude, la déception et le risque de déconnexion sans la capacité de se rassembler physiquement et de créer ensemble, quelles innovations et autres solutions créatives peuvent évoluer? Comment ces innovations peuvent-elles façonner le domaine à l'avenir? Dans cette deuxième et dernière tranche de la série «État de l'industrie de la danse professionnelle à travers COVID-19», nous examinerons toutes ces considérations et plus encore.

Entrer dans un avenir incertain – pour voir des revêtements d'argent?

Mikko Nissinen. Photo de Liza Voll Photography.
Mikko Nissinen. Photo de Liza Voll Photography.

En cette période d'incertitude, le directeur artistique du Boston Ballet, Mikko Nissenen, dit que la planification est «liquide», avec A, B, C et peut-être plus de résultats potentiels à prévoir. Le directeur artistique du Ballet de San Francisco (SFB), Helgi Tomasson, décrit ce type de planification qui se déroule à SFB «imaginer et planifier soigneusement plusieurs scénarios à livrer à nos publics, nos clients, nos étudiants et notre communauté au cours de l'année à venir». Il décrit cela comme à la fois stimulant et gratifiant. Joffrey Ballet a également «développé des dizaines de scénarios, chacun devant être déclenché par des conditions spécifiques à la sortie de la pandémie», explique Ashley Wheater, directrice artistique.

Wheater affirme que la compagnie «rencontrera notre public sous toutes les formes autorisées» – ce qui pourrait être un certain nombre de formes, peut-être des performances de chambre en streaming, dit-il. Dwight Rhoden, co-fondateur et co-directeur artistique de Complexions Contemporary Ballet, estime que «la diffusion d'œuvres complètes et de collaborations avec d'autres artistes et formes d'art sera un incontournable dans les années à venir». Ces offres seront impératives pour maintenir «l'esprit de danse et de performance vital dans les yeux et le cœur de nos supporters et de notre public afin de maintenir l'art en vie», dit-il. Pour lui, cette «innovation (de) l'expérience virtuelle sera essentielle à l'avenir».

Ellen Walker, directrice exécutive du Pacific Northwest Ballet (PNB), décrit comment la société «travaille également à s'adapter, à générer du contenu, à conserver les ressources et à se conformer aux mandats de santé publique», mais comment elle planifie généralement l'avenir est «totalement évaporée» . " Il n'y a pas d'autre choix que d'avoir un plan, ou des plans, et s'attendre à ce qu'il (ou ils) changent.

Ashley Wheater. Photo de Cheryl Mann.
Ashley Wheater. Photo de Cheryl Mann.

Comme autres plans «liquides», Paul Taylor American Modern Dance et Limón Dance Company ont tous deux des plans passionnants pour des intensifs d'été virtuels. Pour le premier, les administrateurs de l'entreprise "ont modifié le programme d'études Taylor traditionnel pour le rendre plus interactif et un point d'entrée créatif dans le monde Taylor", partage le directeur artistique Michael Novak.

À Limón Dance Company, le directeur artistique Dante Pulieo partage que «le bâtiment de la compagnie rouvrirait à l'automne et nous prévoyons de commencer les répétitions et les tournées à partir de janvier». Pour lui, ce qui est positif dans cette période très difficile, c'est qu'elle permet plus de prise de risques (en fait, à certains égards, cela l'exige). Cela peut être bénéfique pour un nouveau leader comme lui (il vient tout juste d'entrer dans le rôle de directeur artistique).

Kevin McKenzie, directeur artistique de l'American Ballet Theatre (ABT), reconnaît également les avantages potentiels de tout ce qui s'est produit à cause de COVID-19. «Pour chaque institution des arts du spectacle, cette crise a révélé nos faiblesses, mais elle révèlera également nos forces», affirme-t-il. «Nous savons produire l'excellence dans nos zones de confort; il est maintenant temps de se familiariser avec des domaines où nous avons moins d'expérience. » Comment? "Il est maintenant temps d'expérimenter", estime-t-il. Pour lui, il est important de "faire savoir au public que nous restons conscients de ce que signifie l'excellence".

Helgi Tomasson. Photo par Erik Tomasson.
Helgi Tomasson. Photo par Erik Tomasson.

Tomasson, pour sa part, estime que «ce processus a soulevé des questions intéressantes. Par exemple, y aura-t-il une saison numérique et une saison de performances en direct? Comment allons-nous tirer parti des nouvelles pratiques pour capturer numériquement et les utiliser pour continuer à élargir et à inclure nos publics? Qu'est-ce qui serait offert gratuitement à la communauté et pour quoi facturerions-nous un billet? » Ces questions peuvent stimuler une réflexion significative.

Élargir les publics, les communautés et les mentalités

Cela étant dit, un autre grand résultat positif qui pourrait résulter de cette crise de santé publique pourrait être un plus grand nombre de personnes ayant accès à l'art de la danse. Rhoden note comment les offres virtuelles «nous ont permis de toucher des personnes du monde entier de manière plus« immédiate »», donnant aux gens du monde entier accès aux «programmes et expériences» d'une certaine entreprise sans que l'entreprise ait à se déplacer dans différentes villes. . «Cette nouvelle norme a amené une industrie qui peut parfois être focalisée sur le laser et dans sa propre bulle individuelle vers un espace de partage», dit-il. «Le collectif est devenu nécessaire.»

Quelques-uns de ces dirigeants ont souligné l'innovation créative qui pourrait également découler de cette période.

Wheater affirme: «Nous avons découvert de nouvelles façons de créer et de partager notre forme d'art. Mon rêve est que nous sortions de la quarantaine avec un arsenal de travaux passionnants à partager avec le public de Joffrey. » Nissinen estime également que beaucoup de contenu virtuel passionnant pourraient sortir de cette période, ainsi que des concepts créatifs et des idées de soutien que les artistes ont élaborés tout en ayant plus de temps pour se reposer et réfléchir.

Kyle Abraham, fondateur et directeur artistique de A.I.M (Abraham.In.Motion), est légèrement sceptique; il considère les ingrédients si souvent nécessaires à la concrétisation des idées – les corps dans l'espace et le matériel de mouvement pour leur exécution, comme fondement d'une exploration plus approfondie. Il souligne également la peur dans l'air en ce moment, et comment la peur coupe si souvent la créativité. Pourtant, alors que les danseurs ne peuvent pas produire de magie créative à travers les corps dans l'espace, et que la peur peut entraver le flux créatif nécessaire pour que cela se produise, la génération communautaire et créative peut provenir de l'alignement avec d'autres formes et secteurs artistiques.

Kyle Abraham. Photo de Steven Schreiber.
Kyle Abraham. Photo de Steven Schreiber.

Novak, par exemple, pense qu'engager avec d'autres formes et domaines artistiques – comme nous pouvons le voir se produire à travers la danse sur le cinéma qui sort actuellement – peut apporter d'autres perspectives précieuses à l'art de la danse. Rhoden pense également que ce type de connexions peut se produire et être fructueux. En outre, il pense que «les alliances entre organisations pour la promotion croisée seront un excellent moyen de continuer à construire de nouveaux publics».

Un tel engagement avec d'autres formes d'art, disciplines et autres institutions de danse peut aider à secouer des perspectives dépassées dans le monde de la danse professionnelle. «Comme de nombreuses industries, nous utilisons un seul« livre de règles »et nous sommes maintenant obligés de le réévaluer; c'est complètement sans précédent », explique Novak. Dans le même temps, il est important de garder à l’esprit les conséquences potentielles d’un passage à une manière plus moderne et virtuelle de créer et de diffuser l’œuvre. Par exemple, Abraham souligne l’absorption croissante des natifs du numérique avec les médias sociaux et d’autres «applications» au détriment de la connexion face à face et de la génération créative.

Walker, pour sa part, encourage «l'ouverture au changement», comme elle le dit – guidée par des valeurs fondamentales. «Nous serons dans un état de perturbation pendant longtemps, et il est à notre avantage de travailler avec cela avec des valeurs autour de l'innovation, du partenariat et du soin de nos communautés», affirme-t-elle. Bien qu'il semble que tant de choses se soient fermées (au sens propre comme au figuré), COVID-19 peut simplement offrir au monde de la danse professionnelle des opportunités à plus long terme de se développer – dans ses publics, communautés et mentalités. Doublure argentée? L'adversité par opportunité? Même si nous avançons unis, chaque danseur peut décider par lui-même. Et dansez sur, sur ou hors écran.

Par Kathryn Boland de Dance Informa.







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