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Danse et art

La 2e édition annuelle «  Empower One Another ''

26-28 septembre 2020.
En ligne sur onstagedanceco.com.

Un aspect significatif des arts est de savoir comment ils peuvent donner aux gens une voix, un espace pour s'exprimer et partager leurs expériences. Être en mesure de se faire entendre est également un moyen essentiel de responsabiliser les gens. OnStage Dance Dance Company (Malden, MA) et Nozama Dance Collective (Boston, MA) ont donné du pouvoir aux gens grâce à l'art de la danse en tant qu'élément clé de leur mission – la première en tant qu'espace pour les danseurs adultes à jouer tout carrières, et ce dernier s'est concentré sur l'autonomisation des femmes par la danse. le Autonomisez-vous les uns les autres est le fruit de l'idée des deux sociétés (OnStage dirigé par Jen Kuhnberg et Nozama par Gracie Baruzzi et Natalie Nelson-Schiera), et repose sur la conviction que la collaboration peut responsabiliser toutes les personnes impliquées et créer quelque chose de vraiment spécial.

Grâce au nombre d'artistes présentés, c'est aussi une plate-forme pour que de nombreux artistes aient une voix – tous variés, tous uniques, qui valent tous quelque chose de spécial à leur manière. Baruzzi et Kuhnberg n’étaient pas sur le point de laisser une pandémie mondiale entraver cet important travail. En fait, cette année Autonomisez-vous les uns les autres (la deuxième annuelle) pourrait donner une voix à plus d'artistes cette année que la série ne l'a fait dans le passé. De plus, un format vidéo virtuel permettait d’espérer une courte vidéo de chaque chorégraphe précédant sa pièce, dans laquelle ils pouvaient partager un peu sur eux-mêmes et le travail que nous sommes sur le point de voir – et nous pouvions littéralement entendre leur voix.

Projet Allo Movement Pas apprécié: V4, interprété par Allison Rebecca Penn et avec la vidéographie de Jesse Pierce, arrive troisième dans le spectacle virtuel. Les danseurs se déplacent dans divers lieux extérieurs, un sentiment de solitude en dansant seul. Est-ce la solitude ou la solitude? Cela reste une question ouverte et intrigante. Penn dansant dans ces espaces, avec ses vêtements pour piétons, donne au travail un sentiment quotidien. Se déplacer bas dans l'espace ajoute une sensation de lourdeur, comme si elle bougeait avec un cœur lourd. Des moments évocateurs de passants passant à travers et ne la reconnaissant pas ajoutent au sentiment de solitude.

La partition, une chanson R&B émouvante, ajoute à ce sentiment. L'orateur de la chanson semble éprouver beaucoup de confusion et est également seul dans cet espace mental. L'énergie du mouvement – parfois frénétique (d'où cette confusion) mais toujours pesante – semble s'aligner sur tout cela. À une époque où nous ne pouvons pas toujours serrer dans nos bras ceux que nous aimons et où l’incertitude plane dans l’air, le travail semble pertinent et relatable. Le reflet de notre expérience vers nous, comme l'art le fait parfois, nous permet de le voir sous un nouveau jour. Que peut-il arriver à partir de là? Seul le temps peut le dire.

Dana Alsamsam Langue maternelle (s vient ensuite. Alsamsam explique comment l'œuvre commente nos relations avec nos mères et l'effet qu'elles ont sur nous tout au long de notre vie. Cinq danseurs évoluent à travers différents niveaux, formes de géométrie claire et lieux dans l'espace les uns par rapport aux autres. Ils commencent avec quatre des danseurs agenouillés dans une sorte de fente latérale, se penchant à l'intérieur de leurs jambes avec les bras larges. C'est une forme intrigante qui revient à travers la pièce. Un danseur danse également au-dessus d'eux dans l'espace. Cette hiérarchie par le placement ne demeure pas; les danseurs se déplacent de toutes les manières les uns par rapport aux autres tout au long de l'œuvre. Ils s'entremêlent et s'éloignent les uns des autres, comme sous tension même lorsqu'ils coexistent. La partition est obsédante, une voix solitaire émettant de longs sons chantants tandis que d'autres voix font des vocalisations plus saccadées et frénétiques. Les costumes marron et noirs aux coupes épurées et simples soutiennent l'ambiance de la pièce et contribuent à une organisation esthétique agréable.

«Parlez» de Shae Forest. Photo de Paul Bloomfield.
«Speak» de Shae Forest. Photo de Paul Bloomfield.

J’imagine que cette longue voix staccato est celle d’une mère dans sa psyché, qu’elle soit consciente ou inconsciente, tout en entendant une cacophonie d’autres voix dans le monde environnant. Le tissage dans et hors de l'autre à travers l'espace donne l'impression que ces voix et ces influences se rencontrent et trouvent une sorte de tolérance les unes pour les autres. La multiplicité résultant de tous ces chemins à travers l'espace ressemble à la multiplicité qui vient de cette cacophonie de voix qui peut avoir un effet sur nous. Pourtant, la voix de la mère demeure. Pour terminer, un danseur est assis, face aux quatre autres danseurs – le revers de la structure au début de l'œuvre. Je pense à toutes les différentes manières d’entendre la voix de notre mère et à toutes les différentes situations dans lesquelles nous pouvons l’entendre.

Shae Forest’s Parler explore comment la danse peut agir en tant que langage et le sens de celui-ci pour la communication dans la société, partage-t-elle dans son extrait d'introduction. Malheureusement, ce n’est pas un sujet qui préoccupe la société en général, pense une partie peut-être cynique de moi. Pourtant, tout le monde peut apprécier les offres esthétiques de cette pièce. Les danseurs, vêtus de justaucorps blanc cassé élégamment coupés, se déplacent avec une facilité incroyable grâce à un vocabulaire de mouvement très technique et stimulant. Ils évoluent avec passion et engagement à travers ce travail stimulant, de sorte qu'il semble expressif et significatif plutôt que de simples «trucs» de mouvement pour eux-mêmes.

L'éclairage assombri et la partition instrumentale sensationnelle renforcent le drame et l'expression. Forest a également habilement structuré des regroupements dans le travail de sorte que les danseurs vont et viennent et que les groupes changent suffisamment pour être intrigants, mais pas tellement pour avoir l'impression que ces changements arrivent trop vite – ces changements représentent peut-être une sorte de communication qui leur est propre. Parfois, l’art a une signification largement accessible, parfois il est esthétique ou mémorable, et parfois il a les deux. Aucune de ces options n’est intrinsèquement erronée. Ils valent tous quelque chose.

Rachel Linsky Sélection est une œuvre mémorable et stimulante. Le sens important rencontre la compétence technique, et le résultat est quelque chose de vraiment passionnant. Dans son extrait de pré-performance, Linsky explique que la pièce explore le processus de «sélection», par lequel les nazis séparaient ceux qui étaient capables de travailler et ceux qui seraient tués immédiatement en amenant des captifs juifs dans des camps de concentration. Les familles ont été séparées par ce processus, partage Linsky, qui a été un outil commun des oppresseurs sur les opprimés tout au long de l'histoire. À l’extérieur du musée de l’Holocauste de Boston, les danseurs forment des lignes droites – dans un alignement étrange avec les prisonniers juifs à leur arrivée sur le lieu de leur (probable) mort. La fumée monte, une autre référence effrayante ici.

La «sélection» de Rachel Linsky. Photo par Lisa Link.
«Sélection» de Rachel Linsky. Photo par Lisa Link.

Ils se déplacent (à l'intérieur de ces lignes) avec un certain niveau de qualité liée, se plient latéralement et roulent à travers les épaules pour se pencher vers l'avant – incarnant la constriction et le manque d'autonomie. Soutenant ce sens, et un désir d'échapper à la constriction alors qu'ils sont impuissants à le faire, ils atteignent le ciel mais à d'autres moments tombent au sol ou juste au-dessus dans une fente profonde. Les danseurs portent des masques évidemment à cause du COVID, mais cela me rappelle aussi une maladie – comme celle qui a conduit au meurtre de six millions de juifs et de six millions d'autres considérés comme une menace pour le pouvoir nazi. Les chiffres clignotent devant les danseurs lorsqu'ils se déplacent, représentant les numéros d'identification des prisonniers des camps de concentration. Le poids de ce traumatisme historique, de cette plaie sur l'histoire, me frappe à un niveau très viscéral.

Pourtant, ce qui est vraiment effrayant ici, ce n’est pas le poids du passé isolé – c’est ce passé qui rime avec les choses qui se passent aujourd’hui. Vers la fin, parmi les voix d'autres survivants des camps de concentration, nous entendons Elie Wiesel témoigner devant le Congrès américain. Il s’adresse avec candeur et férocité à un responsable de l’immigration et des douanes, établissant des parallèles avec la façon dont il a été séparé de sa famille dans les camps de concentration et comment cela se passe aujourd’hui dans les centres de détention pour migrants ici aux États-Unis. De plus, il y a à peine deux ans, un gang néonazi a vandalisé ce site même – le Boston Holocaust Museum. Je prends un moment de réflexion solennelle après avoir visionné l'œuvre, jurant de ne jamais oublier et de ne jamais excuser la haine. Des œuvres comme celles de Linsky, avec une commande esthétique et une signification vraiment puissante, peuvent avoir ce genre d’effet.

Bientôt, cependant, les ballerines du New England Ballet Theatre du Connecticut offrent quelque chose de beaucoup plus léger et plus joyeux. Une douce musique de piano accompagne leur mouvement balétique effervescent à travers différents endroits extérieurs – sautant grand au bord d'un lac, se jetant et faisant des gestes des bras sur les marches d'une maison classique et tournant sur un porche. Les effets de ralenti améliorent la sensation de liberté en vol et les filtres ajoutent une harmonie visuelle vraiment agréable. Tout cela ressemble à une évasion de la réalité de COVID. Les danseurs ne portent même pas de masques (ce que je trouve bien car ils ne sont pas particulièrement proches les uns des autres lorsqu'ils dansent sur le même plan). La tranquillité et la joie du travail, sans parler de l'espace et de la liberté avec lesquels les ballerines se déplacent, se sent comme un médicament pour l'âme en ce moment (ou à tout moment, cela pourrait être).

Pourtant, l'œuvre n'est pas entièrement sans portée émotionnelle ou conceptuelle; vers la fin, les danseurs font des mouvements de griffes sur les côtés d'un bâtiment – en dehors de la beauté visuelle, transmettant une portée et une aspiration à l'insatisfaction et à l'inexploré (malgré tous les espaces qu'ils ont rencontrés dans l'œuvre). Peu importe ce que nous trouvons et expérimentons, il y a toujours quelque chose en dehors de cela. Le New England Ballet Theatre du Connecticut a une voix qui pourrait nous apporter tout cela, tout comme d'autres voix ont offert leurs propres cadeaux à travers leur voix. Brava à OnStage Dance Company et Nozama Dance Collective pour avoir créé l'espace pour toutes ces voix.

Par Kathryn Boland de Dance Informa.







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