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Danse et art

Le « Loneland » des Moving Architects – Dance Informa Magazine

Première le 3 juin 2021.
Diffusion via YouTube.

La danse est une forme d’art abstrait ; le sens ou l’inspiration créatrice derrière une œuvre particulière peut ne pas être évident. Cela peut être la partie passionnante, en observant comment la chorégraphie et les éléments de conception qui l’accompagnent peuvent parler de sens, de thème ou de construction d’une atmosphère particulière. Dans ce regard, trois membres différents du public peuvent repartir avec trois significations différentes, et aucune d’entre elles n’est « fausse ». Les déclarations d’artiste et autres notes de programme peuvent offrir une fenêtre sur la façon dont une œuvre s’est réunie et ce qu’elle est pour l’artiste, mais tous les membres du public ne les lisent pas (et c’est un choix légitime de ne pas le faire).

Pourtant, entendre les artistes eux-mêmes parler du sens et du processus créatif peut créer une expérience de vision différente, un niveau de compréhension plus profond et une sorte de lien périphérique avec l’artiste en tant que créateur et humain. Le virtuel des architectes en mouvement Loneland programme offre cette couche plus profonde de sens à travers des solos de films de danse qui illustrent une expérience personnelle, chacun avec une courte introduction vidéo du membre de la compagnie qui a créé et interprète l’œuvre.

De courts intermèdes entre ces solos et des œuvres plus longues font danser toute la compagnie, et chacun fait appel à une esthétique fraîche et audacieuse (résultat des collaborations entre la directrice artistique Erin Carlisle Norton et la plasticienne Gwen Charles). Ce sont des travaux fascinants, agréables et – étant des travaux de groupe – rafraîchissants après les 18 mois que nous venons tous de vivre. Pourtant, les solos évocateurs, avec leurs introductions apportant un sens plus riche, sont ce qui me frappe vraiment – ​​donc cette critique plongera dans ces œuvres.

L’inconnu, chorégraphié et interprété par Zoe Kaplan, est plein de physicalité harmonisée et de nuances de gris au milieu de la luminosité. Dans son introduction orale, Kaplan note l’incertitude de cette époque et apprend à être en harmonie avec elle. Kaplan se déplace dans un champ ouvert et elle semble savourer – ou du moins en être très consciente – la sensation dans son propre corps.

Elle se dilate et se referme, se déplace plus vite et plus lentement en fonction des changements de tempo de la partition, se rapproche de la terre en dessous d’elle et s’en éloigne. Bien qu’avec force et précision, il y a aussi une douce réceptivité à son mouvement, que sa robe fluide jusqu’aux cuisses accentue parfois. Sa couleur plus foncée permet à Kaplan de sortir de son environnement naturel vert et ensoleillé, un effet visuel clarifiant et agréable.

Son mouvement dynamique et multicouche apporte une incertitude passionnante qui lui est propre ; Je ne peux pas savoir ce qui va suivre, et reste avec chaque nuance de son mouvement pour le découvrir. Pourtant, on pourrait aussi y voir une certaine turbulence qui peut résulter d’un manque de certitude – quelque chose qui peut causer une grande partie de nos troubles mentaux et émotionnels.

Juste avant la toute fin des travaux, elle s’enfuit vers le bord du champ, comme si elle se dirigeait courageusement vers cet inconnu. Une interprétation pourrait être qu’en se libérant enfin de la peur de l’incertitude, elle pourrait évoluer vers une plus grande liberté et une plus grande expansion. Quelle que soit l’interprétation, son mouvement est multicouche, honnête et satisfaisant.

Dans les images finales, la caméra se déplace lentement vers les nuages, le soleil pointant par derrière. Cette image est à la fois époustouflante dans sa beauté majestueuse et naturelle mais aussi un rappel du yin et du yang, de l’obscurité et de la lumière. L’incertain peut faire peur, mais tant d’émerveillement s’y trouve aussi.

Bethany Chang Fréquemment, mais enregistrez-vous bientôt dépeint une exploration fascinante du mouvement enveloppée dans une élégance classique. Dans son introduction au solo, elle décrit ne pas danser pendant un an et en venir à accepter que son corps était dans un endroit différent – ​​dans le cadre de cela, ayant des intérêts et des inclinations différents. Sous une structure aux piliers de l’architecture classique, elle porte une chemise aux plis rappelant une toge romaine. Son comportement est fier et majestueux à la hauteur.

Le mouvement de Chang commence lentement, doucement et introspectif – et devient progressivement plus rapide, plus virtuose et plus présentation. Dans ces dernières qualités, bien qu’elle n’ait pas dansé pendant un an et quelles que soient les attentes qu’elle puisse avoir pour elle-même, ses côtelettes virtuoses sont claires. Backbending, regard intentionnel et permettre à la physique de faire passer le mouvement (plutôt que de le forcer) transparaît.

Elle se jette profondément, tourne vite, libère une jambe d’un virage pour se plier profondément en large plié pour initier plus de mouvement. Avec le soleil qui brille sur l’espace à l’extérieur de la structure et la verdure luxuriante tout autour, il y a un sentiment d’harmonie avec la nature et elle-même – corps, esprit et âme. Dans cette harmonie, elle semble avoir trouvé un endroit où elle peut explorer les possibilités de son corps à partir d’une base stable.

Elle tend la main vers le haut à la fin, presque comme dans une sorte de louange – ou peut-être une reconnaissance de l’expérience spirituelle de la danse. Pouvons-nous trouver l’ancien et le divin dans notre corps même par le mouvement ? C’est une question ouverte que les téléspectateurs doivent recevoir et en faire ce qu’ils veulent – ​​mais la question a été posée, et cela peut être la partie significative.

Indigo Sparks Ode au printemps est un véritable rayon de chaleur printanière et de soleil. Il y a du mouvement technique — jeu de jambes, flexion profonde dans un plié, plusieurs virages — mais cela semble plus parler de la joie possible dans des mouvements simples, de se déplacer dans un bel endroit par une belle journée. Elle se déplace parmi des structures astucieuses et attrayantes, ajoutant à la joie et à l’attrait de son mouvement et de sa présence joyeuse. Des moments de montage ralentissent son tournage continu, ajoutant des couches énergétiques et esthétiques supplémentaires.

Dans son introduction, Sparks partage que la robe qu’elle porte en solo a beaucoup de sens pour elle et qu’elle est en effet belle d’une manière simple et élégante. Au fur et à mesure qu’elle bouge, force est de constater qu’elle aime s’y déplacer, un amour qu’elle partage généreusement avec les téléspectateurs. L’œuvre rappelle que certains arts peuvent simplement nous faire sourire et nous sentir plus légers – et cela peut être plus que suffisant.

Explorations de bulles, chorégraphié et interprété par Carlisle Norton, est une exploration unique et mémorable visuellement, énergétiquement et kinesthésique. Elle danse dans une bulle géante gonflée d’air, dans un costume d’une seule pièce bleu foncé qui la distingue visuellement du blanc de la bulle. Elle semble se déplacer en fonction de comment et où son corps veut explorer – et est pleinement captivée par l’exploration. C’est la concentration, pure et simple – une chose frappante et mémorable à voir.

La partition améliore le rythme et les sons de sa respiration, nous amenant davantage dans son expérience de mouvement – une de solitude, mais une solitude pleine de possibilités créatives. L’édition de coupes sous différents angles et les répétitions de certains moments ajoutent quelque chose d’imprévisible et d’intrigant au concept simple d’elle se déplaçant seule dans une bulle. Le produit final est à la fois stratifié et agréable d’une manière simple.

Refuge de la 5e Avenue, interprété et chorégraphié par Aria Roach, enquête, en mouvement, sur le sentiment d’isolement imposé que nous avons tous ressenti tout au long de COVID – même écrasant à certains moments, non sans sa propre beauté.

Cela commence simplement, Roach debout dans l’enceinte intérieure d’un restaurant – une mesure de sécurité COVID qui est venue fasciner Roach et gagner son admiration, et qui est devenue une partie de sa vision de la pièce, explique-t-elle dans son introduction. Une partition de bourdonnement, comme elle le décrit également dans son introduction, a également été une inspiration créative pour la pièce – une partition avec une chaleur et un pressentiment simultanés.

Des gestes banals, comme elle se coiffer et glisser ses doigts le long du bois, nous plongent dans son expérience instant par instant sans fioritures, ne serait-ce que pour quelques instants. Le mouvement de Roach devient plus grand et plus rapide au fur et à mesure que la pièce progresse, dans son propre petit refuge – avec de la taille, de la puissance et beaucoup de gestes frais et convaincants.

Elle porte une barboteuse jaune, apportant une luminosité, mais la qualité sombre et nostalgique du bourdonnement rappelle l’isolement et les réalités à travers COVID. Tout comme à chaque solo dans Loneland, entendre Roach parler de l’inspiration de son solo très individualisé apporte une compréhension plus profonde et plus à retirer de la pièce. Pourtant, il y a d’autres couches et plus que les téléspectateurs peuvent trouver en fonction de qui elles ou ils sont et comment elles ou ils voir le monde. Ah, l’art est magique !

Par Kathryn Boland de Dance Informa.