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Danse et art

Le « retour à la vie » de Island Moving Company

Centre des arts Waterfire, Providence, RI.
6 mai 2021.

Revenir au spectacle vivant – de nos jours, c’est un développement qui peut réjouir les danseurs et les amateurs de danse du monde entier. Depuis mars 2021, Island Moving Company (IMC) a maintenu sa mission en vie, du mieux qu’elle peut dans les circonstances, de diverses manières : performances en plein air, à distance sociale (si le temps le permet); émissions diffusées en direct; les cours diffusés sur les réseaux sociaux ; cours en plein air; et plus. Revenir en direct, à Providence, Waterfire Arts Center de RI, était le premier spectacle de la compagnie dans un théâtre pour un public en direct depuis le coup de COVID.

La société crée toujours des œuvres particulièrement réfléchies – dans la conception et l’exécution – mais les œuvres de ce programme en particulier témoignaient d’une création artistique profonde et réfléchie. Il a démontré comment même des choix simples peuvent avoir une signification profonde derrière eux. Peut-être que le poids de l’occasion faisait partie de cet effet – même sur la partie subjective de ce critique. Quelle qu’en soit la cause, l’effet de cet art profond et réfléchi provoquait la réflexion et créait des expériences esthétiques sans précédent.

Directeur Artistique Associé IMC Danielle Genest’s Créature de la nuit (2019) a ouvert le programme. C’est une exploration pour traverser l’incertitude de l’obscurité, tâtonner, puis trouver le courage de se sentir à l’intérieur. En fin de compte, la lumière et l’espoir sont à l’horizon. Mark Harootian’s Prise stable (2021) est une matérialisation de l’expérience souvent très solitaire de la maladie mentale. Les danseurs se déplaçaient dans l’espace avec des troubles remplissant leur corps – ensemble mais pas tout à fait connectés. Le thème du travail est un objectif très important, en particulier dans le contexte de COVID, lorsque des conditions telles que l’anxiété et la dépression ont explosé.

Dans les deux pièces, de la manière la plus légèrement perceptible, les danseurs se déplaçaient avec moins d’expansion dans l’espace que lorsque j’avais vu ces pièces jouées auparavant – non pas par manque d’engagement envers leurs performances, mais parce que les danseurs semblaient avoir intériorisé le travail. d’une autre façon; les œuvres semblaient être plus profondes dans leurs os cette fois. C’est une chose puissante à témoigner. C’était également merveilleux de voir une nouvelle stagiaire dans l’entreprise – Ane Arrieta – plus que de se débrouiller avec le travail; elle ne s’est pas imposée comme une nouvelle édition moins expérimentée pour Prise stable ou à tout autre qu’elle a dansé. En fait, ses performances étaient pleines de maîtrise technique et de passion.

Genest Croyance, une première mondiale, s’est ouverte sur quatre danseurs en ligne diagonale — atteignant les ailes, à l’unisson et à l’unisson. Un contraste frappant s’est produit lorsqu’ils ont quitté la ligne et se sont déplacés indépendamment. Canon et divers autres groupements les ont ramenés à l’unisson, animant dynamiquement la scène. La musique a apporté un sentiment d’enjouement et de joie, même si l’éclairage était un peu plus sombre (conception d’éclairage par Kyle Eldridge). Le mouvement était en grande partie levé et élevé, plus une question de forme corporelle que de geste. Même ainsi, les bras ont dévié à travers des motifs uniques, comme s’ils étaient en exploration. Une autre section avait des danseurs en cercle, où l’un d’eux tombait et ils la soutenaient – ​​rappelant un jeu enfantin à bien des égards.

Plus tard dans la pièce, l’éclairage a apporté des bleus et des violets – des couleurs de minuit. Pourtant, les conditions externes changeantes n’ont pas changé la qualité du mouvement ou la façon dont les danseurs se sont liés les uns aux autres dans l’espace – et avec l’espace, se déplaçant tout autour avec enthousiasme. Cela ressemble à ce qu’est la croyance – aller de l’avant, explorer et être ludique grâce à un espoir résilient que même si l’obscurité imprègne, la luminosité peut rester dans notre cœur et dans la façon dont nous nous tenons les uns les autres.

Il convient également de noter que la pièce est un départ intrigant pour Genest; contrairement à celle-ci, ses pièces sont souvent particulièrement pondérées et très gestuelles dans le mouvement, et mystérieuses dans le ton. Pourtant, quelque chose de significatif qui est toujours dans son travail est resté dans celui-ci – la création réfléchie de quelque chose qui incarne une vérité de l’expérience humaine.

Impitoyable (2000), du directeur artistique d’IMC Miki Ohlsen, est basé sur le roman Le livre de Ruth par Jane Hamilton. C’est l’histoire d’une relation mère-fille tendue qui amène la fille à rechercher le réconfort et la connexion chez un homme. En tant que tel, un récit clair et manifeste guide le travail. Les danseurs – Brooke DiFrancesco, Emily Baker et Timur Kan – ont superbement raconté l’histoire, avec leur mouvement ainsi que leur théâtralité globale. C’est une œuvre en grande partie classique, mais la contraction, la libération et le geste unique du côté plus contemporain des choses ont aidé à construire cette théâtralité.

Se lever et donner des coups de pied avec les pieds fléchis connotait une protestation. Être soulevé de se coucher sur le support illustré de dos. Passer le dos d’une main sur sa propre joue était synonyme d’apaisement et de réflexion. Les formes de cœur dans les espaces entre les corps (espace négatif) et le penchant pour la proximité et le soutien transmettaient la romance à portée de main. Un score robuste avec de la luminosité mais aussi de l’agitation sous-tendait le tout.

Un choix de costume particulier était également intriguant; Baker (la mère) et DiFrancesco (la fille) portaient des robes du même design mais de couleurs différentes (conception de costumes par Eileen Stoops et Sarah Good). Ce choix m’a rappelé à quel point nous portons une grande partie de qui sont nos parents, pourtant, dans une certaine mesure, nous sommes finalement amenés à trouver nos propres façons d’être dans le monde.

La première mondiale de La mer lave le rivage, de l’ancien directeur artistique de la compagnie de danse José Limón Colin Connor, a clôturé le programme. Cela semblait rendre hommage à la maison balnéaire de l’entreprise; le vocabulaire du mouvement et les formations dans lesquelles il résidait évoquaient le flux et le reflux de la marée sur le rivage. Des formations d’un nombre variable de danseurs, ainsi que des mouvements plus ou moins athlétiques et rapides, illustraient la vitesse et la force toujours changeantes des vagues sur le rivage.

Au-delà de cette interprétation très littérale, des dynamiques interpersonnelles ont également brillé – soutien, mouvement en synchronicité, tendre la main et s’éloigner. La fin a été particulièrement mémorable : des danseurs faisant face à la scène, marchant selon un schéma ascendant et descendant, le tout à l’unisson. La vague lave le rivage. C’était une construction simple, mais puissamment évocatrice. Un peu de réflexion peut faire beaucoup quand il s’agit de marquage artistique. Aller plus loin peut générer des rendements exponentiels. Brava et merci à IMC pour l’exploration et le partage alors que vous reveniez au spectacle vivant !

Ce programme comprenait également le spectacle de Miki Ohlsen Une vie bien vécue, un ouvrage dédié à la défunte tante de l’examinateur, qui était associée à l’entreprise par l’intermédiaire de son mari, ancien président du conseil d’administration de l’Island Moving Company. La critique a choisi de ne pas réviser le travail en raison du poids émotionnel du travail pour elle personnellement et pour maintenir l’objectivité journalistique. Pourtant, elle veut exprimer que le travail l’a beaucoup émue, et elle est incroyablement reconnaissante à l’entreprise de l’avoir créé et présenté.

Par Kathryn Boland de Dance Informa.