Le trésor de la tradition: la saison 2021 du centre-ville d’Alvin Ailey American Dance Theatre

Centre-ville de New York, New York, NY.
8 décembre 2021.

Marcher dans les rues de Manhattan sur mon chemin pour admirer Lors de la saison 2021 d’Alvin Ailey American Dance Theatre au centre-ville de New York, j’ai regardé autour de moi toutes les lumières de Noël, les arbres, les arcs et les couronnes qui décorent les rues et les bâtiments. Cela m’a fait avoir la tradition en tête. Je ne suis pas du genre à sentimentaliser la tradition, mais il y a quelque chose dans la saison des fêtes qui peut amener tous les cœurs, sauf les plus endurcis, à garder de bons souvenirs des années passées et des repères culturels qui ont duré des générations.

J’étais également simplement heureux que nous soyons dans un endroit avec COVID où l’entreprise puisse continuer sa propre tradition d’une saison de décembre au centre-ville (bien que l’entreprise ait dû annuler le reste de la saison).

J’ai pensé davantage à la tradition pendant (et après) l’expérience du programme de trois œuvres d’Alvin Ailey ; généralement, je m’en souviens, pour la saison City Center, la compagnie commande souvent un ou plusieurs chorégraphes contemporains et présente leur travail avec celui d’Ailey. Cela offre toujours quelque chose de spécial, mais – d’où nous en sommes maintenant en 2021 – profiter d’un travail littéralement rempli du travail d’Ailey était instructif et même réconfortant à certains égards. L’innovation est essentielle, mais, à mon avis, se souvenir et garder vivant ce qui s’est passé l’est aussi.

Le programme a démarré avec Mémoire (1979), la dédicace d’Ailey à « l’esprit sauvage de mon amie Joyce Trisler ». Esthétiquement multiforme, l’œuvre amène le personnage principal (dansé par Constance Stamatiou) à travers un voyage – mais la nature de ce voyage est merveilleusement ouverte à l’interprétation. Cela a commencé plutôt céleste et éthéré, des costumes blancs et fluides (par A. Christina Giannini) et des éclairages (par Chenault Spence) dans des tons bleu clair. Le mouvement a rencontré cette esthétique par la répétition et une qualité continue et fluide.

La chorégraphie était très façonnée et, bien que plus lente dans l’ensemble, avait des moments d’accent. Bien qu’avec des échouages ​​fréquents, les ascenseurs étaient également fréquents, évoquant le vol. Le mouvement, du moins dans cette section initiale, m’a également semblé plus ballet que la plupart des œuvres d’Ailey – offrant une chance à l’ensemble de démontrer sa virtuosité classique considérable.

Cette atmosphère éthérée n’était cependant pas chérubine ou collante-douce; des tons plus sombres et ces contrastes stylistiques ont insufflé quelque chose de plus complexe. Avec tout cela, en combinaison avec des notes de programme sur l’intention d’Ailey avec la pièce, j’ai pensé à la vie après la mort. Ces tons plus sombres m’ont rappelé l’incertitude que nous pouvons ressentir dans notre manque total de connaissances sur ce qu’est la vie après la mort vraiment Comme.

Une autre interprétation évoluant dans mon esprit, également issue de ces notes de programme, était celle du voyage d’un artiste : venant d’un lieu de curiosité, de sérieux et de générosité et faisant l’expérience de nombreux trésors en cours de route en raison de ces qualités, tout en faisant l’expérience de la obstacles que le monde moderne met sur le chemin des artistes.

Face à ces défis, ces êtres – créatifs et spirituels dans leur essence et leur aura – ont trouvé des intérêts et des générativités individuels à travers la non-unisson. À d’autres moments, ils ont trouvé des points communs grâce au mouvement à l’unisson : des points communs qui reflétaient leurs vérités et leur interdépendance partagées et indéniables.

Ces qualités ont sauté avec des notes hautes et sinueuses émergeant dans la partition. Un solo de Stamatiou a également incarné ces qualités, mais elle a apporté une légèreté nouvelle et pleine d’espoir. Agréablement, elle a laissé le mouvement se déplacer à travers elle et opérer sa propre magie – agissant comme un vaisseau à l’écoute et honnête pour lui ainsi que pour son personnage.

Plus tard, l’ensemble s’est tourné vers les coulisses. Les êtres spirituels créatifs entouraient le personnage principal comme pour le protéger et le soutenir. Lentement, elle monta sur scène. Dans l’air était le sentiment d’un passage pesant, abordé avec la gravité qu’il appelle. Elle est rapidement revenue, dans le nouveau costume d’une robe rouge flamboyante – inculquant davantage le sentiment que ce qui venait de se passer était crucial. Ce n’était pas seulement sa robe qui avait changé ; une toute nouvelle esthétique enflammée a pris la scène, pleine de divers rouges et oranges. Pour correspondre, des inflexions jazzy se sont développées dans la musique et le mouvement.

L’ensemble formait deux lignes longues et parallèles, traversant toute la scène en diagonale et créant ainsi un passage pour le personnage principal. Il lui semblait aussi qu’elle n’avait pas d’autre choix que de traverser ce passage. Elle l’a traversé – oui, apparemment non sans peur, mais aussi avec son cœur brillant vers le ciel et sa présence ancrée mais aussi souple et fluide.

Était-ce le passage vers l’au-delà, ou une incarnation des luttes de la vie créatrice, ou quelque chose d’entièrement différent ? Comme c’est le cas pour l’art abstrait en général, loin de l’idée de quiconque dira qu’une interprétation est « fausse » – et je sais que, au moins, je ne voudrais pas qu’il en soit autrement. Même avec tout ou partie de cela non perçu ou sans intérêt pour un membre du public donné, le festin sensoriel à portée de main était plus que suffisant pour apprécier grandement – ​​même se réjouir.

Elle a finalement traversé ce voyage de défi puis de triomphe, se tenant fermement et fière de sa vérité. Se délectant peut-être de ce triomphe, son mouvement et sa présence globale ont pris une nouvelle fierté et une nouvelle sensualité, les tons de jazz s’élevant également encore plus dans la partition (musique de Keith Jarrett). Elle et tout l’ensemble se déplaçaient joyeusement à travers des isolements sensuels et des ondulations serpentines.

Un ensemble beaucoup plus important s’est rapidement joint, comprenant des étudiants d’Ailey II et de l’Ailey School (une merveilleuse opportunité pour ces jeunes danseurs !), pour se joindre à la célébration émouvante. Un arc-en-ciel de danseurs, vêtus de costumes d’une myriade de nuances et de teintes, remplissait complètement la scène.

C’était indéniablement joyeux et émouvant, pourtant – plus comme une question générale sur le métier de la chorégraphie – je me suis demandé s’il y avait jamais un moment où trop se passe sur scène; si, après avoir atteint un point de rendements décroissants, cela peut-il jamais devenir écrasant pour les membres du public ? C’était plus une réflexion intellectuelle pour moi, cependant, car j’étais absolument ravi de ce que la scène offrait, dans tout son dynamisme.

Cependant, j’ai encore plus apprécié la fin. Les membres de l’Ensemble ont élevé le personnage principal, et d’autres l’ont entourée dans la célébration et l’alliance. Elle tendit la main et regarda le ciel, comme si elle saisissait pleinement par les cornes son destin et ce dont son âme avait besoin.

Tout dans cette œuvre parlait de « la joie… la beauté… la créativité » qu’Ailey voyait chez son amie Joyce. Tout était harmonieux et cohérent. Il pourrait présenter les plus grandes questions philosophiques tout en offrant quelque chose de simplement envoûtant à expérimenter. La tradition du travail et de la vision d’Ailey a brillé jusqu’à cette nuit de décembre 2021.

Reflets en D (1963) a suivi cette œuvre, un solo dansé par Michael Jackson Jr. et une autre œuvre d’Ailey. La pièce illustre une véritable réflexion à la fois dans le contenu et dans son exécution. Jackson Jr. portait du bleu clair (costume recréé par Jon Taylor) aligné avec le bleu de l’éclairage (par Nicola Cernovitch) et de la toile de fond. Le bleu est une couleur évoquant couramment, et parfois même suscitant, l’harmonie et la facilité. En même temps, il signifie souvent contemplation, réflexion et tristesse.

Fait intéressant, compte tenu de ces éléments, le mouvement avait un sens du jeu : explorer la manipulation du tempo, faire des pauses et se déplacer avec des sauts et des pauses, ainsi que rechercher l’ingéniosité de la forme dans l’espace et remplir cet espace de manière expansive. Même ainsi, Jackson Jr. a également bougé avec un sentiment de pesanteur et de lourdeur. Il y avait une gamme et une complexité incroyables – offrant de nombreuses couches à décortiquer et à expérimenter, à méditer et simplement à apprécier.

Avec le vocabulaire du mouvement d’Ailey en conjonction avec l’art engagé et multiforme de Jackson Jr., toutes ces choses n’étaient pas mutuellement exclusives ni même contradictoires. Jackson Jr., pour sa part, a permis à toutes ces couches de parler d’elles-mêmes plutôt que de dramatiser quoi que ce soit (ce qui, avec ce travail, semblait facile à tomber) – tout en les peignant de manière complète et vivante.

J’ai entendu dire qu’un signe d’un esprit sophistiqué est la capacité de maintenir calmement deux pensées apparemment contradictoires en même temps. C’est peut-être aussi vrai de l’art, à sa manière ; la vie est complexe et déroutante, et un art honnête comme celui-ci peut le refléter sans broncher.

Comme il est de tradition pour Ailey, le programme s’est clôturé avec l’opus d’Ailey Révélations (1960). C’était aussi esthétiquement époustouflant et édifiant que jamais. Contrairement à toute autre, l’œuvre peint dans la danse moderne la volonté humaine de surmonter la lutte et de s’élever au-dessus d’un objectif plus élevé.

J’ai vu une touche d’une nouvelle férocité et générosité dans les performances de l’ensemble – peut-être, étant donné ces deux dernières années, les danseurs conscients ou inconsciemment qu’ils devraient donner plus qu’ils n’ont à donner sur cette scène – parce que n’importe quelle semaine, n’importe quel jour , quelconque minute tout pourrait repartir. Malgré toute cette précarité, Ailey a réussi à maintenir la tradition en vie cette saison des fêtes avec ne serait-ce qu’une partie de sa saison au centre-ville – en grande partie grâce au travail et à l’imagination créative du séminal Alvin Ailey.

Alors que nous avançons à partir d’ici, probablement dans un monde assez changé, nous allons nécessairement nous ajuster, innover et recréer – mais n’oublions pas non plus ce que la tradition a à nous apprendre. La sagesse des artistes et autres grands esprits du passé peut résonner aujourd’hui dans le futur, si nous pouvons nous arrêter et écouter assez attentivement pour la recevoir.

Par Kathryn Boland de Dance Informa.







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