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Les choses pour lesquelles les danseurs sont bons: la mode

Dance Informa vous propose le prochain volet de notre série sur les concerts de danse alternative! Ce mois-ci, nous parlons de la danse dans l'industrie de la mode et des différentes façons dont vous êtes parfait pour le travail!

J'ai pu discuter avec la chorégraphe Karole Armitage, pour qui j'avais déjà dansé lors du défilé Marc Jacobs automne 2020. Nous, les danseurs, avons traversé les formations de la passerelle, sprintant (en talons) devant des mannequins comme les sœurs Hadid et Miley Cyrus. Armitage parle de sa collaboration avec Marc, pourquoi elle est en faveur de la pollinisation croisée des formes d'art et pourquoi valoriser l'intégrité d'une forme d'art par rapport à son évolution est une erreur.

Karole Armitage et son ancien danseur principal William Isaacs. Photo gracieuseté d'Armitage.
Karole Armitage et son ancien
le danseur principal William Isaacs.
Photo gracieuseté d'Armitage.

C'était un processus intense. Cinquante danseurs et plus. Répétitions de 18 heures. Dormir à la maison de couture. Et tout s'est réuni à la dernière minute. Je sais que Marc est fan de votre travail, mais comment ce projet est-il né?

"Totalement dernière minute, comme vous le savez! Vendredi, j’ai reçu un appel téléphonique de l’assistant de Marc, me demandant si je chorégraphierais son spectacle à l’armurerie, qui sortait la semaine prochaine. J'ai accepté et j'ai dit que nous devions nous rencontrer le plus tôt possible. Nous nous sommes rencontrés samedi et dimanche était l'audition. C'était aussi rapide. Répétition du lundi, répétition du mardi, spectacle du mercredi. Vous savez mieux que quiconque comment tout a explosé. Il est passé d'un concept pour 15 danseurs à 50. De 20 modèles à 80. Tout était en train de bouillonner. Le nombre de personnes, le travail et les aménagements. Mais c'était super! C'était une merveilleuse expérience! Même si cela ne correspondait à aucune structure ou idée de la façon dont tout cela allait fonctionner, nous savions tous que nous faisions quelque chose de vraiment excitant. Et c’est tout ce qui compte dans la vie, vraiment.

Marc et moi ne nous étions jamais rencontrés auparavant, mais nous partageons une culture en commun, qui est cette attitude punk à New York dans les années 80, dans une formation classique rigoureuse. Il avait fait ses recherches et obtenu des images de mon travail qu'il aimait. Ils provenaient de mon travail le plus pur, de mon moi le plus pur, et il a dit: «Je veux que ça ressemble à ça.» Et je me suis dit: «Wow, il me dit juste d’être moi-même. C'est fantastique.'

Photo de Kyraa Pitts.
Photo de Kyraa Pitts.

Cette permission d'être moi-même, d'être mon moi le plus brut, le plus punk, était si importante. J’ai toujours eu l’impression que mon travail portait sur des contradictions extrêmes. D'une part, c'est brut et punk, avec l'érotisme féminin au premier plan. Et d'autre part, c'est la tradition poétique du raffinement, de l'élégance et du glamour. Ces deux choses peuvent cohabiter à merveille. Et c’est aussi l’esthétique de Marc. Nous avons juste cette confiance totale les uns dans les autres. C'était aussi la seule collaboration de ma vie, en partie parce que c'était si rapide, où un collaborateur m'a donné des critiques constructives – essentiellement pour éviter l'unisson – qui m'a vraiment aidé à l'améliorer.

En quoi votre expérience de chorégraphe est-elle un atout pour des collaborations créatives comme un défilé de mode?

«J'ai travaillé dans 20 pays différents, avec des danseurs modernes, des danseurs de ballet, des chanteurs d'opéra, des voguers. J'ai travaillé dans le monde de la pop. J'ai travaillé à Broadway avec des gens qui n'ont pas de formation en danse mais bougent très bien parce qu'ils sont très musicaux. Alors je sais comment avoir ce qui est essentiel. Travailler avec des danseurs de nombreux pays différents m'a donné un aperçu de l'unification de différents types de formation en danse avec leurs différentes philosophies de vie. J'ai le sens de la création de notre propre culture en studio en expérimentant l'énergie et le rythme du mouvement lui-même. Il ne s'agit pas de mots mais d'une plongée plus profonde dans le langage corporel. Vous construisez une culture ensemble alors que tout le monde digère le mouvement à un niveau profond pour trouver une manière existentielle particulière d'être au monde. D'une manière ou d'une autre, nous avons réussi à le faire en trois jours. Mais nous avons également travaillé ensemble 18 heures par jour. C'était une expérience extrême, et tout le monde était incroyablement généreux et y est allé. Et étaient intelligents. Je dois rendre hommage à tout le monde, car vous étiez intelligents. Tu l'as eu."

Sur votre expérience dans d'autres industries – c'est quelque chose que je demande à beaucoup de gens que j'interviewe pour cette série. Des choses comme: «Quelles sont les difficultés rencontrées lors de la collaboration avec quelqu'un qui parle un langage artistique différent de vous? Comment devez-vous traduire, coopérer et renoncer à certains de vos propres principes artistiques pour permettre la collaboration? »Il semble que vous soyez très pratiqué.

Karole Armitage et danseurs. Photo gracieuseté d'Armitage.
Karole Armitage et danseurs.

"J'aime ça. Je veux que tout le monde soit toujours à son meilleur. Être à son meilleur, c'est aussi pouvoir exprimer sa sensibilité, sa façon d'être au monde. J'aime que les choses soient aussi personnelles. Mais vous ne pouvez le faire qu'avec qui vous partagez une structure et un concept très rigoureux dès le départ. Une fois que vous l'avez réduit, lorsque vous savez vraiment ce que sont l'essentiel, alors tout le monde peut être libre d'être lui-même. Il s’agit d’avoir des idées très claires.

J'ai été un mouton noir dans le monde de la danse aux États-Unis dans certains milieux, parce que c'est moraliste. Ce n’est pas le cas des danseurs, et cela commence à changer, mais je pense que de nombreux pouvoirs en place (c’est-à-dire les bailleurs de fonds, les présentateurs, les critiques) se méfient de la pollinisation croisée. La danse a une tradition puritaine, le changement étant considéré comme corrompant l'intégrité de la forme d'art. Et je pense que c'est faux. Il s'agit toujours de pollinisation croisée. Même le ballet a la danse folklorique comme partie intégrante de sa langue. Il y a toujours une pollinisation entre contemporain et street, folk, appelez ça comme vous voulez. L'art populaire et le grand art se négocient toujours. Il n'y a pas de véritable frontière. Je pense que les nouvelles formes d'art qui ont vraiment du potentiel pour le public d'aujourd'hui sont décomposer l'art visuel, la mode, la danse, la culture musicale. C’est une manière de rassembler ces choses. Je veux dire que j'aime toujours ma danse poétique pure, mais même à l'intérieur de cela, je pense que ces autres influences doivent faire partie de l'esthétique. Parce que c’est ainsi que le monde est aujourd’hui et que les artistes sont censés être de leur temps. Ils ne sont pas censés être des musées.

Une des grandes choses à propos de la danse est que les danseurs sont tellement disciplinés, et ils le font par amour et passion. Cela donne à la forme artistique un avantage considérable dans le monde d'aujourd'hui. Vous pouvez tracer votre propre chemin. Je ne peux pas compter sur les institutions. Surtout avec COVID, tout doit être réinventé de toute façon. "

Pour suivre le travail de Karole Armitage, suivez sa compagnie Armitage Gone! Dansez sur Instagram @karolearmitage.

Par Holly LaRoche de Dance Informa.







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