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Danse et art

Les « points continus » du Festival Ballet Providence

Woodman Arts and Community Center, Moses Brown School, Providence, RI.
24 octobre 2021.

L’abstraction s’accompagne d’un mystère irrésistible ; parfois les réponses sont plus excitantes que les questions. D’un autre côté, des réponses claires et un sens ont leurs propres avantages. Lorsqu’il s’agit d’art, les deux peuvent attirer et dissuader les membres du public.

Trouver l’équilibre entre un sens clair et une abstraction mystérieuse n’est jamais une tâche facile, pourtant Le Festival Ballet Providence a réussi quelque chose de semblable avec Points continus. Le programme était également un retour au spectacle vivant dans un théâtre d’intérieur depuis le coup de COVID en mars 2021 – une continuation, si un point d’inflexion, de ce que la compagnie présentait avant qu’une pandémie mondiale ne bouleverse la vie telle que nous la connaissions.

Un film d’avant-spectacle était un moyen clé par lequel la compagnie a équilibré la clarté du sens et le mystère de l’abstraction. Dans le film, chaque chorégraphe avait une section pour partager un peu de son travail : processus, sens, comment le travail illustre des parties de qui ils sont en tant qu’artistes et en tant que personnes, et plus encore. Des séquences de répétition convaincantes accompagnaient leurs mini-interviews, offrant aux membres du public une fenêtre agréable sur le processus de création de la danse de concert.

Cette approche est apparemment efficace, car elle permet aux chorégraphes de créer le merveilleux mystère que peut être la danse tout en n’ayant pas à craindre que les membres du public ne soient rebutés par le fait de ne pas avoir un sens clair à emporter (pas « l’obtenir ») – et Je ne crois pas avoir vu d’autres entreprises l’utiliser. Pour un domaine engagé dans des conversations importantes sur l’équité, l’accès et la durabilité en ce qui concerne l’art vivant, de telles approches pourraient être très instructives et fructueuses.

Annabelle Lopez Ochoa Points de retour (2006) a lancé le programme. Dans une vidéo d’avant-spectacle, Lopez Ochoa a expliqué comment elle aime commencer chaque travail par une question – une sorte de « que se passe-t-il si… », ou, comme on pourrait l’interpréter, orienté vers une tâche ou la résolution d’un problème. Pour ce travail qui travaillait avec toutes les grandes ballerines sur des pointes (une première pour elle avec ce travail, a raconté Lopez Ochoa), avec une ballerine les accompagnant et les accompagnant.

Pourtant, j’ai vu dans l’œuvre quelque chose de plus universel et intemporel qu’une simple enquête ou une entreprise de résolution de problèmes : la lumière et l’obscurité, le yin et le yang, le sacré et le profane, le moderne et le classique. Une chose merveilleuse à propos de l’art est qu’aucune façon d’interpréter et d’expérimenter l’œuvre n’est meilleure ou pire que l’autre, ou définitivement « bonne » ou « mauvaise ».

Construire ce sens du sacré et du profane était une partition d’electronica moderne parsemée du chant formel et aérien des moines (par Arvo Part). De même imprégnant le yin et le yang, la lumière et l’obscurité étaient des costumes en noir et blanc simplement coupés. Les danseurs entrent et sortent également de l’ombre, passant des apparitions à quelque chose d’éthéré et de spirituel.

Les choix de mouvement ont également créé le contraste; des lignes de danseurs se déplaçant dans des chemins linéaires à travers la scène infusaient un formalisme tandis que des mouvements fondus et ressentis plus intérieurement traduisaient l’individualité – et même le rejet de la conformité. Le vocabulaire du mouvement a empilé une nouvelle forme contemporaine sur une base classique solide.

Les trois ballerines portaient des pointes et semblaient embrasser la douceur et la malléabilité féminines, mais elles n’étaient en aucun cas les waifish, les «dames en détresse» d’autrefois. À certains moments, ils martelaient le haut de leurs pointes à l’unisson – ce qui ajoutait une couche auditive intrigante mais constituait également une affirmation de leur force.

La question de Lopez Ochoa sur ce qui se passerait avec de très grandes ballerines ensemble sur scène a abouti à une chose certaine : leurs lignes, encore plus longues par les pointes, semblaient avoir une énergie s’étendant pour toujours – au-delà de tout binaire. La mise en forme curviligne du mouvement, de nage et d’écart clairs, a renforcé cette sensation de force et de douceur coexistant.

Vers la fin, sous une nouvelle teinte violette dans l’éclairage, les quatre danseurs se sont réunis en tableau. Au fur et à mesure que la forme respirait et évoluait, elle semblait faire fondre tout spectre d’opposés. Parfois, la distance entre le sacré et le profane est faible ou inexistante ; la vie est complexe de cette façon. Absente de toute signification plus profonde, l’œuvre était un riche festin d’intérêt sensoriel dans lequel tout spectateur pouvait trouver quelque chose de magique.

Commissaire artistique Yury Yanowsky’s Final a enquêté sur la mort et le deuil à travers deux corps dansants, un vocabulaire esthétique épuré et un mouvement émotionnellement évocateur. Dans la vidéo d’avant-spectacle, Yanowsky a expliqué le thème d’un voyage de la vie à la mort – ainsi que l’expérience de ceux qui restent.

Esthétiquement, un éclairage tamisé et des costumes sombres et sans fioritures créent une atmosphère de mystère et de vide. Cela m’a semblé fascinant et significatif par rapport au thème ; personne ne peut raconter l’expérience de ce qui se passe après la mort, et personne ne peut vraiment connaître l’expérience profonde et souvent dévorante du deuil d’un être cher à moins qu’il ne l’ait vécu.

De la même manière, le mouvement par rapport au thème a capturé mon cœur et mon esprit. Les partenaires du duo (Tara McCally et Alex Lantz) ont maintenu un contact physique pendant toute la pièce. Cela m’a fait penser à quel point le chagrin est un poids profond que nous portons, enraciné dans l’amour que nous avions pour la personne à laquelle nous avons dû dire au revoir pour toujours. Un amour profond comme celui-là reste avec nous, devient même une partie de nous. Cela façonne qui nous sommes. Devenant encore plus spirituels et existentiels, on pourrait aussi se demander si ceux qui sont décédés ont une expérience similaire.

La partition brumeuse et mystérieusement rêveuse (de Wilsen) m’a plongé plus profondément dans la réflexion, avec des paroles parlant de « moments trop tôt, secondes trop tard » et « des sortes de fantômes ». McCally et Lantz ont amélioré ce mystère et ce flou grâce à la malléabilité de leur mouvement, mais ont également cultivé une clarté dans leur performance – une combinaison de qualités qui ont gardé mes yeux fascinés alors même que mon esprit tournait avec ces questions existentielles (questions que les humains ont réfléchies pendant des siècles).

Dans une fin digne du concept de poids, la paire a lentement monté la scène alors que les lumières et le score diminuaient lentement. Le deuil reste avec nous, tout comme ces questions de vie et de mort persistent aussi longtemps que les humains.

Vient ensuite celui de Lia Cirio Sabali, une œuvre pleine d’ingéniosité et de diverses qualités esthétiques à apprécier. Cirio a expliqué dans la vidéo d’avant-spectacle que « sabali » se traduit approximativement du bambara par « patience », et que le travail était son exploration de la patience. Pourquoi, en tant que personnes, trouvons-nous si difficile de l’adopter et de le maintenir, par exemple ? Cirio est un danseur principal du Boston Ballet. La polyvalence et l’étendue des intérêts stylistiques de l’entreprise, ainsi que l’ardeur au travail de Cirio et tout ce qu’elle a appris dans cet environnement, étaient clairs dans le travail.

Le mouvement était rapide, continu et énergique – comme un ruisseau qui continue de couler. Cette qualité m’a semblé intéressante par rapport au thème déclaré de Cirio pour le travail; on pourrait même voir l’idée de patience et ce frénétisme comme contradictoires. Pourtant, en réfléchissant plus profondément, une forme de patience réalisable dans ce monde au rythme rapide consiste peut-être à se déplacer avec ce flux avec grâce et authenticité – ce que les danseurs ont certainement fait. Des costumes aux couleurs vives (par Jule Dancewear) et diverses partitions optimistes ont renforcé ces qualités énergiques.

Pourtant, à d’autres endroits, la tension dans l’espace et dans les corps dansants illustrait le conflit intérieur que l’on peut ressentir dans la quête de la patience, et dans ces moments où elle nous échappe. L’ambiance s’est éclaircie avec une partie d’une section pour terminer la pièce : les danseurs bougent avec éclat, légèreté et joie. La partition m’a tenté de me lever et de groover.

À travers toutes ces sections et qualités, le vocabulaire du mouvement serpentin, multiforme et parfois délicieusement décalé de Cirio la distingue en tant que chorégraphe à l’affût de choses encore plus grandes et meilleures.

Le deuxième acte offert Suite Paquita, apportant éclat et faste distingué comme seul le ballet classique peut le faire. Yanowsky, Leticia Guerrero et Christopher Anderson ont mis en scène la chorégraphie de Joseph Mazilier. Eugenia Zinovieva et Mamuka Kikalishvili ont joyeusement mangé de l’espace dans leur pas de deux, alliant raffinement et passion à l’état pur. Un pas de trois (dansé par Kailee Felix, Nina Yoshida et Kobe Atwood Courtney) était également poli mais offrait une honnêteté délicieusement authentique dans la caractérisation.

Cet acte m’a cependant fait comprendre que le travail contemporain de la compagnie est plus fort que son travail classique. Pourtant, cette œuvre classique était pourtant si bien agréable que je n’avais certainement rien à plaindre à propos (et le travail contemporain de l’entreprise est une barre haute à rencontrer !). Et cela ne signifie bien sûr pas que l’entreprise doit se concentrer entièrement sur le travail contemporain. Le travail classique peut être impitoyable dans son exactitude, et c’est le processus — revenir encore et encore pour atteindre une perfection inaccessible.

Tout cela mis à part, inclure à la fois des œuvres contemporaines et classiques dans le programme peut offrir un petit quelque chose à différents types de spectateurs : ceux qui apprécient le mystère de l’abstraction et ceux qui préfèrent quelque chose de beau et si avec un sens, pas quelque chose à distraire assidûment. et réfléchi.

L’équilibre peut être le nom du jeu dans la vie, et l’art ne fait pas exception. Il suffit parfois d’être réfléchi et d’investir quelques ressources supplémentaires pour y arriver. Bravo et merci au Festival Ballet Providence d’avoir fait exactement cela et d’avoir présenté un programme extraordinaire, le premier programme de retour dans un théâtre avec des spectateurs là-bas pour chérir tout ce que c’est.

Par Kathryn Boland de Dance Informa.