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Danse et art

New York City Ballet Three Sides of Balanchine

Jeudi 4, 11 et 18 mars à 20h.
Diffusé sur YouTube dans le cadre de la saison numérique de NYCB.

George Balanchine – l’artiste qui, sans doute, a eu plus d’influence sur le ballet américain que tout autre – est surtout connu pour ses ballets néoclassiques sans intrigue. Ce n’est cependant pas le seul aspect de son héritage; ses œuvres peuvent également s’inscrire dans les deux autres catégories de ballets classiques et narratifs. Dans le cadre de sa saison numérique printemps 2021, le New York City Ballet (NYCB) a diffusé des performances d’archives de trois ballets – un représentant chacune de ces trois catégories, sur trois jeudis soirs consécutifs.

Dans un court discours avant le spectacle, le danseur principal Russell Janzen a offert des commentaires convaincants sur chacune de ces œuvres: les replacer dans le contexte de la vie et de la carrière de Balanchine, décrire certains éléments significatifs de la qualité esthétique, de la structure ou du mouvement, et partager expérience avec ces œuvres en tant que danseur avec la compagnie. Ce commentaire a permis d’approfondir la compréhension de ces œuvres, jetant les bases pour que les téléspectateurs puissent en profiter davantage et y trouver plus de sens.

Teresa Reichlen et Daniel Ulbricht dans 'Prodigal Son' de George Balanchine.  Photo de Paul Kolnik.
Teresa Reichlen et Daniel Ulbricht dans ‘Prodigal Son’ de George Balanchine. Photo de Paul Kolnik.

Fils prodigue (1923), avec Daniel Ulbricht comme personnage central, ouvre la série. L’esthétique était agraire et rustique, comme avec la toile de fond peinte et les costumes reflétant le premier contexte biblique de l’histoire. La puissance d’Ulbricht dans les virages et les sauts était vraiment mémorable; il a semblé trouver l’élan de l’air lui-même (parfois on ne savait pas où il pourrait l’obtenir à travers la chorégraphie rapide et relevée!).

Les «Goons», comme Janzen les avait présentés, étaient des personnages étranges – vêtus de noir et blanc ainsi que d’un maquillage fantomatique, et se déplaçant d’une manière qui rappelait les zombies des films d’horreur classiques (bas au sol, saccadés et imprévisibles). C’étaient des créatures inquiétantes reflétant les tentations et les problèmes auxquels le fils prodigue a été confronté alors qu’il quittait la maison pour tracer son propre chemin.

La sirène rouge feu (Teresa Reichlen) était la vrai l’incarnation de la tentation, cependant. Des lignes rouges sur ses collants blancs et une grande cape rouge évoquaient la passion brute d’un cœur qui battait, du sang qui le traversait. Son mouvement était plein d’allongement et de rapprochement, invitant le fils prodigue à se rapprocher.

Le mouvement de la Sirène et du Fils Prodigue devint celui de l’entrelacement, du pliage et du dépliage, alors que les «Goons» se rapprochaient également – rendant plus clair ce qui s’était passé avec le Fils Prodigue. La tentation avait gagné. Bientôt, ils lui avaient tout pris, même les vêtements sur son dos. Il trébucha en avant, désespéré et plein de chagrin – rampant vers la maison sur les genoux ensanglantés. Les bras ouverts, le père l’accepta en arrière, couvrant son fils de son manteau alors que le rideau tombait. C’est une histoire démontrant le pouvoir de l’amour et de la rédemption, un NYCB a partagé avec courage, maîtrise technique et souci de l’héritage de Balanchine.

Tiler Peck dans «Thème et variations» de George Balanchine.  Photo de Paul Kolnik.
Tiler Peck dans «Thème et variations» de George Balanchine. Photo de Paul Kolnik.

Thème et variations (1947) est venu ensuite dans la série, illustrant les œuvres classiques de Balanchine. Le classicisme était en effet clair dès le début, le corps se tenant dans une formation diagonale avec un homme et une femme soliste dansant en bas (Tiler Peck et Joaquin De Luz). Des couleurs vives et des motifs intrigants ont animé les tutus de style «cloche» (en forme de cloche) des ballerines. Les positions du corps étaient exactes mais fluides, le jeu de jambes et le port de bras précis mais pas rigides. Les danseurs ont maintenu un lyrisme doux même si leur mouvement est resté méticuleux.

Même avec cette précision, certains petits sauts et étapes de transition semblaient davantage concerner la direction, l’énergie et le timing que le placement exact en tant qu’étape définissable. Cette qualité démontre l’intérêt de Balanchine pour un mouvement rapide et débordant d’énergie. C’est différent de l’accent mis par Cecchetti sur la pureté du revêtement et du placement à chaque étape, par exemple. Les danseurs ont honoré l’héritage de Balanchine par leur engagement à danser avec ces qualités.

Suite à cet intérêt de Balanchine pour la musicalité, les changements de tempo ont apporté des changements énergétiques – y compris des vitesses variables et des variations correspondantes dans la qualité du mouvement. Par exemple, une belle section avait Peck soutenu par des danseurs de corps, s’étendant dans adagio le tempo et la qualité des danseurs du corps soutenaient son poids et d’autres changeaient de formation – les mains jointes partout.

Un solo suivant de Peck – avec le tempo de la partition accéléré à un allégro un – était brillant, rapide et dynamique. Un tempo adagio est revenu avec un pas de deux suivant. Le corps est alors revenu, et l’énergie est restée rapide et effervescente. Des cercles, des lignes qui se croisent, des formations en pente et des touffes ont rempli et animé la scène pendant les dix dernières minutes de la pièce.

Le rideau tomba sur Peck levé sur l’épaule de son partenaire et le corps derrière eux, tendant la main et souriant au public. Alors que la nature de son traitement des femmes soulève quelques sourcils de nos jours, il est indéniable que la beauté et la force créatrice des femmes étaient la muse de Balanchine. Peck soulevé haut était comme un symbole de cela. Quant au titre, quel est le thème et quelles sont les variations, pourrait-on se demander?

Revenant sur la fascination de Balanchine pour la fusion de la musique et du mouvement, la musique elle-même avait un thème et des variations. De plus, comme Janzen l’avait noté, dans la pièce, Balanchine s’appuyait sur des pas et des mouvements rudimentaires du ballet classique – le thème – pour créer ses propres variations. Au risque d’un commentaire réducteur, c’est vraiment aussi simple que cela. Aussi polyvalent qu’il soit, Balanchine a vu la sagesse de simplement garder les choses simples parfois. Ce que vous voyez est ce que vous obtenez, et cela peut être magique!

Sterling Hyltin et Ask la Cour dans le concerto pour violon Stravinsky de George Balanchine.  Photo de Rosalie O'Connor.
Sterling Hyltin et Ask la Cour dans le concerto pour violon Stravinsky de George Balanchine. Photo de Rosalie O’Connor.

Concerto pour violon de Stravinsky (1972), emblématique des ballets néoclassiques sans intrigue de Balanchine, complète la série. Une qualité dynamique était dans l’air depuis le tout début – avec de nombreux petits sauts, des changements de direction, des extensions rapides et une incarnation proche de la musique. Pourtant, comme Janzen l’avait expliqué, il y a aussi des dynamiques sociales et émotionnelles en jeu dans le travail; il ne s’agit pas seulement de la fusion de la musique et du mouvement. Comme un aspect, les ballerines portaient des justaucorps noirs et des jupes courtes, des hommes en leggings noirs et des chemises blanches, rendant la segmentation des hommes et des femmes claire. La chorégraphie fait appel à cette dualité pour la structure et les formations. Des collants noirs distinguaient les deux ballerines solistes des ballerines du corps.

Un pas de deux avec Sara Mearns et Ask la Cour a eu un peu plus de temps pour respirer, s’infiltrer et résonner que certaines des autres sections – certaines qui semblaient passer. Des gestes uniques ont frappé des accents musicaux staccato de manière mémorable, alors qu’une grande partie du mouvement jusqu’à présent s’inscrit dans le canon classique. Quelque chose de nouveau se construisait dans l’éther. Les pas de deux suivants, avec une mélodie ardente dans la musique, avaient un nouvel air de passion, de romance et de conflit. Les contacts tels que les pieds fléchis dans un ascenseur ont continué une tendance dans le travail de rébellions subtiles contre les «règles» classiques.

Le corps est revenu vers la fin. Comme Janzen y avait également fait allusion, les formations en ligne rappelaient la danse folklorique. L’œuvre contenait un paradoxe fascinant – une étreinte à la fois de l’ancien, du traditionnel et du nouveau, de l’inventif. Une qualité ludique est venue des interactions entre les danseurs dans cette dernière section de groupe. Cela a ajouté un dynamisme supplémentaire à tous les changements de mouvement et de formation. Les danseurs ont posé tous ensemble et ont regardé le public alors que le rideau tombait, comme pour encourager les membres du public à porter cette énergie et cette joie en avant.

Vitesse, puissance physique, alignement avec des partitions instrumentales brillantes et énergie joyeuse découlant de ces ingrédients – toutes ces caractéristiques sont essentielles au travail de Balanchine, qu’elles soient narratives, classiques ou néoclassiques. Le New York City Ballet a recontextualisé cet héritage pour les téléspectateurs en quête de créativité et d’art en ce moment. Cette «pause» mondiale a apporté un nouvel espace de réflexion et de leadership éclairé. Brava à NYCB pour avoir profité de cet espace à sa manière avec Trois côtés de Balanchine.

Par Kathryn Boland de Dance Informa.