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Danse et art

« Quelques premières » à Arts on Site

8 août 2021.
Arts sur place, New York, NY.

Le bruissement des pieds nus à travers Marley, les costumes sans fioritures, les sensations énergétiques d’un corps en mouvement par la libération, l’activation et les lois de la physique ; la danse postmoderne a une magie sans pareil. L’essence de cette magie est quelque chose dont les artistes s’éloignent parfois – après tout, nous sommes dans une ère post-postmoderne où aucun style n’est totalement rejeté, aucune approche créative considérée comme interdite.

Pourtant, revenir à cette essence peut nous rappeler l’émerveillement qu’elle recèle. À une époque de bouleversements mondiaux et de réévaluation des normes acceptées, revenir à cette base peut également être générateur, informatif et peut-être même réconfortant. Quelques premières à Arts on Site a fait surface cette essence – en présentant ainsi quelque chose d’audacieux, parfois stimulant et dans l’ensemble immensément satisfaisant.

L’une des chorégraphes, Caitlin Javach, a donné une brève conférence avant le spectacle – discutant de certains des défis que COVID a représentés pour donner vie à l’œuvre. Cela a contextualisé le programme dans toutes ces difficultés et incertitudes, et m’a fait apprécier davantage le travail à venir.

Doron Perk’s Solos et Duo a lancé le programme. Cela a commencé avec une faible lumière rouge qui s’est lentement allumée sur un soliste. Un piano pensif et sinueux accompagnait le mouvement lent et expansif de la soliste – elle appréciait la bonté de son corps se répandant dans l’espace, les membres et les articulations exerçant leur magie. Malgré toute sa réflexion et ses méandres, la partition avait un ton joyeux qui soutenait cette heureuse découverte.

Le mouvement du soliste était dans un idiome de mouvement postmoderne, avec une technique de relâchement pour se déplacer des articulations plutôt que des muscles – se déplaçant parfois minutieusement et parfois à travers toute sa gamme de mouvements. Un moment mémorable a été un virage facile avec une légère flexion des genoux, les bras tendus sur un son de musique là. Cette merveille de ce que le corps peut faire était amplement suffisante – aucune mise en scène n’était requise.

Alors qu’elle commençait et fermait sa section, elle leva un bras tout en laissant pendre l’autre bras, son torse incliné vers le bras qui pendait. En plus d’être esthétiquement attrayant, ce mouvement incarnait la tension des contraires – le soulevé et le sol, l’espoir et le résigné, l’action et le repos.

Le duo suivant présentait bon nombre des mêmes qualités, mais avec un mouvement codifié de manière plus classique (jetes, sauts, assemblages) et la dynamique émergeant de deux individus autonomes négociant l’espace (contre un seul l’explorant seul). Le mouvement à l’unisson parlait de la volonté commune, la non-unisson de la divergence dans cette volonté, et s’élevait à se soutenir dans les deux sens.

Vient ensuite un solo avec une voix d’opéra expressive offrant la partition (ce qui n’est pas courant dans la danse contemporaine, et cela a fonctionné – brava à Perk d’avoir pris ce risque !). Le mouvement, à son tour, reflétait cette élégance relevée et raffinée. Pourtant, il contenait également des moments de simple libération des os sous l’effet de la gravité et de moments de merveilleuse crudité.

La façon dont le soliste a libéré sa tête et négocié ses parties du corps à travers l’espace était fascinante et tout à fait satisfaisante. À plusieurs endroits, ils se tenaient avec les pieds juste plus larges que les hanches, les bras se levant lentement sur le côté et à hauteur d’épaule – et l’incarnation de la prise de terre et du contrôle de l’espace. Assez rapidement, ils sont passés à un mouvement beaucoup plus rapide et plus libéré – une exposition A de l’éventail de ce que le corps humain peut accomplir dans l’art de la danse. Encore une fois, l’émerveillement et le drame du corps étaient plus que suffisants à ce moment-là.

Javech Démêler a pris une tournure tonale et stylistique assez prononcée par rapport à la pièce de Perk, avec des percussions et des sons naturels apportant une sensation primitive. Le mouvement était aussi plus façonné, précis, géométrique. Pourtant, il y avait un enracinement et un sentiment d’audace confiante dans la qualité de la performance des danseurs qui ont amélioré cette sensation primitive – avec des tremblements de membres, des sauts rapides et des formes non conventionnelles. Tout était frais et alléchant.

De la même manière, le solo suivant s’accompagnait d’une partition électronique avec un feeling mécaniste dans l’electronica (composition originale de Max Jaffe). Cela a amélioré quelque chose comme cette même qualité dans le mouvement – avec un vocabulaire de mouvement répétitif et géométrique, une qualité de mouvement lié et une vitesse rapide du mouvement.

Après une pause, Alexsa Durrans Formes lumineuses. Il offrait un concept très inventif, les interprètes me paraissant comme des princesses futuristes – de larges robes flottantes éclairées par la lumière de la scène, se sentant à la fois artificielles et entières, cohérentes. Ils sont passés à la musique électronique palpitante (d’Amnesia Scanner et Yves Tumor), avec le sentiment de commander tout ce qui les entourait et de n’avoir besoin de se précipiter pour personne. Ils prendraient leur temps et seraient pleinement connus.

Puis le score est devenu beaucoup plus doux et plus pensif. En conséquence, les danseurs ont trouvé plus de cohésion entre eux, de libération et un sentiment d’honnêteté émotionnelle. Ils se sont relâchés dans le sol (parfois littéralement, exécutant un mouvement sur le sol lui-même), ont adouci les angles de leurs formes et ont trouvé une harmonie facile les uns avec les autres dans l’espace d’une manière qu’ils n’avaient pas lorsqu’ils ont commencé à se déplacer. Les qualités et les vanités esthétiques étaient agréables à leur manière.

Dans un autre virage stylistique à 180 degrés, Javech a dansé un solo mystérieux et inquiétant – ce qui était autrefois, n’est plus maintenant. La partition (« Unfold » de Skúli Sverrison et Gyða Valtýsdóttir) a de nouveau rencontré des qualités dans le mouvement pour créer un monde passionnant sur scène. Jaech est soudainement passé à un mouvement très rapide, en tension avec les notes lentement sinueuses de la partition – passionnante par sa qualité inattendue. Comme ailleurs dans le spectacle, le vocabulaire du mouvement était plein d’ingéniosité, étant apparemment le fruit d’une exploration productive et d’une prise de risque.

Le suivant était Parfum de bleu, chorégraphié et interprété par Nat Wilson – une œuvre à la fois surréaliste et spirituelle. Wilson portait des engins pour les doigts accentuant chaque doigt et son mouvement. Bien que je ne puisse trouver aucun objectif pratique pour la pièce de costume, c’était suffisamment mystérieux et esthétiquement captivant pour m’intéresser. La partition (Fragrant is My Many Flower’d Crown de Lingua Ignota) ressemblait à un hymne inspirant, recherchant une puissance plus élevée pour l’orientation et la force. Le soliste a reflété ce sentiment élevé et réfléchi dans sa qualité de mouvement stable mais souple et réceptive.

Le mystère et la nervosité sont revenus avec le solo suivant (et la dernière œuvre du programme), la partition mystérieuse et le mouvement imprévisible — Aide-moi à offenser* La scène (offenser le public, Peter Handke, 1966) chorégraphié et interprété par Caitlin Adams. Brisant le quatrième mur, Adams a fait un signe de la main et a fait signe au public, faisant rire certains membres du public. Elle s’est même assise à côté du premier rang et a regardé la scène avec eux à un moment donné – un moyen astucieux de briser le quatrième mur.

Lentement, méthodiquement et inébranlablement, elle a parcouru un vocabulaire de mouvement plus inventif – des membres en tension, tirant dans des directions séparées, tout en plongeant profondément, les bras flottant vers le haut mais ponctuant certains points d’arrêt en cours de route. Le passage à ce solo a été un autre brusque, stylistiquement parlant, qui était parfois séduisant dans ce programme – mais je me suis demandé si certaines transitions moins abruptes (peut-être par le biais d’un séquençage alternatif de pièces) auraient pu sembler plus douces et plus énergétiquement naturelles.

Dans tous les cas, à un moment donné, Adams a retiré une pièce de costume pour révéler un costume différent en dessous – délimitant une deuxième partie du solo. À travers des touches théâtrales (un peu d’audace ici, un peu d’attitude là), elle a fait rire davantage les spectateurs. Il était intéressant de voir comment un artiste pouvait faire rire dans une atmosphère inquiétante – éclairage faible, score anxieux – grâce à des choix de performance subtils mais clairs. Cela a mis fin au spectacle, et finir avec un rire et un sourire n’est jamais une mauvaise chose !

Il y a une croyance que ce genre de travail de retour à l’essence de la danse moderne, explorant tous les coins stylistiques – même les plus sombres, n’est pas quelque chose qui est acceptable et commercialisable pour le grand public. Peut-être que cette croyance s’était avérée vraie à certaines occasions. Pourtant, rappelons-nous le pouvoir de l’intention et de l’engagement ; si nous faisons quelque chose au mieux de nos capacités et que nous nous engageons pleinement dans ce qu’est cette chose, peut-être, juste peut-être, si nous la construisons, ils viendront.

Nous ne pouvons pas savoir à moins d’essayer. Contributeurs à Quelques premières a offert un modèle à suivre pour cette approche de la danse contemporaine brute, réelle, retour aux sources. Ils disent que l’authenticité est attrayante et convaincante. Je sais que c’était le cas pour ce critique prenant dans ce travail!

Par Kathryn Boland de Dance Informa.