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Danse et art

Virtuel du 25e anniversaire de DANCE NOW

10 septembre 2020.
Plateforme Web de DANCE NOW.

Beaucoup de choses peuvent arriver en 25 ans – en particulier dans le domaine des arts; c'est un peu époustouflant de penser à toutes les idées, à tous les rêves, à toutes les heures de répétition et à tout le sang, la sueur et les larmes qui peuvent tenir dans 25 ans d'une organisation artistique. Une durée aussi longue témoigne également d’une persévérance et d’un courage qui semblent indiquer une capacité à surmonter à peu près tout, même une pandémie mondiale qui a pratiquement anéanti le secteur des arts. Société de production multi-villes DANCE NOW’s 25e La saison anniversaire (2020-2021) se déroulera virtuellement, avec un accès aux performances via une plateforme en ligne à faible coût pour les téléspectateurs. Grâce à une nouvelle plateforme, la compagnie continuera à partager l'art de la danse et tous les merveilleux buts qu'elle peut servir – tout ce qu'elle vaut et toutes les raisons pour lesquelles nous en avons besoin pour survivre cette fois et rester une partie de notre vie. .

LMnO3 POMPE ouvre l'édition de septembre du festival virtuel. Trois femmes (Deborah Lohse, Cori Marquis et Donnell Oakley) entrent, portant de grandes boîtes en carton et portant des sous-vêtements nus. Ils évoluent avec une coordination précise, offrant un soin à ce qu’ils présentent qui se poursuit tout au long du reste du travail. Leurs boîtes s'ouvrent pour révéler une parcelle de fausse herbe, sur laquelle ils marchent ensuite pour danser. Ils atteignent des pompons en tant que «Stars and Stripes» de John Philip Sousa sonne, puis pliez au niveau de leurs hanches. Toujours soigneusement coordonnés, ils tracent les pompons le long de leurs jambes. Satiriquement, ils vont derrière leurs fesses puis sur leurs jambes, tout lentement. Un bras trace à travers l'autre jambe, les trois se contorsionnant gracieusement mais avec cette sensation nerveuse et sardonique. Enfin, ils se lèvent et tournent leurs hanches avant de former un triangle humain – défiant les normes et les attentes «féminines».

Le film se termine par un pom-pom tombant du haut du triangle humain, et la caméra panoramique dessus (vidéographie de Courtney Boyd et montage vidéo de Lohse). Il y a quelque chose de contre-culturel et d’audace nonchalamment dans tout cela, d’une manière très postmoderne. Avec cette qualité, combinée à la partition patriotique et au symbolisme tels que les boîtes de marque de grands noms de consommation (comme Amazon et Lowes), le travail semble percer sournoisement l'idée de «l'exceptionnalisme américain» – tout comme les artistes postmodernes fait depuis les années 1960 et 1970. Nous faisons face à différentes batailles maintenant, mais elles ne sont pas moins dangereuses. Parfois, c’est aux artistes de nous dire, parfois entre les lignes, quand il est temps de se réveiller et d’agir.

Ayodele Casel. Photo de Michael Higgins.
Ayodele Casel. Photo de Michael Higgins.

Ayodele Casel's Enraciné fait danser Casel dans un décor épuré – juste elle, une lampe, un sol pour claquettes et la pièce autour d'elle (tournage de Torya Beard de Original Tap House). Elle porte une chemise avec un drapeau américain en noir et blanc, un jean noir et des chaussures à claquettes dorées. Alors qu'elle tape, le rythme séduisant et sa virtuosité tout simplement stupéfiante, on l'entend parler dans une superposition narrative. Elle parle d'être enracinée dans les gens de sa vie et dans les communautés auxquelles elle appartient – y compris celles de ses racines à Porto Rico et en Afrique. Elle parle de l'énergie, de l'innovation, de la créativité et de la joie de ces personnes, et de son amour pour ces choses – et son peuple.

Elle s'enracine dans ses pas, son énergie physique s'élevant néanmoins aussi à travers son corps – à travers des virages, des éraflures et des sons incroyablement rapides. Ce fondement de la créativité et de l'amour est clair dans son corps même. Avec légèreté et force inébranlable dans sa carrosserie et ses mouvements, elle incarne ce qu'elle parle. Le drapeau sur sa chemise ne me semble pas non plus accidentel, pas du tout; embrasser et soutenir la multiplicité et la richesse de cette nation et de son peuple, c'est embrasser et soutenir cette nation elle-même. La maxime «moins c'est plus» remplit également mes réflexions pendant que je la regarde; dans cette salle, danser seule, elle et son art suffisent. De qui elle vient, ils suffisent. Elle et eux – ils sont toujours connectés, enracinés ensemble et toujours assez tels qu'ils sont.

Le 10e étage de Mike Esperanza. Photo de Mike Esperanza.
«10e étage» de Mike Esperanza. Photo de Mike Esperanza.

Mike Esperanza dixe Sol est un agréable changement de ton et de style, vers quelque chose de plus esthétiquement riche plutôt que nécessairement imprégné de signification sociale profonde (comme le sont les deux dernières pièces). Nous voyons un chien blanc moelleux (Emma la Samoyède), et soudain une femme en survêtement rose. Elle sonne à la porte, puis elle est dans un autre espace. Nous continuons d’entendre le souffle du chien alors qu’il se déplace – serpentant dans sa colonne vertébrale, se précipitant bas, se relevant à nouveau pour tourner. D'autres sons se superposent et les angles de caméra deviennent de plus en plus frais et inattendus. La sonnette retentit et de plus en plus de femmes en survêtements arrivent. Le chien haletait toujours. C’est un festin sensoriel! La clarté du choix esthétique semble l'aider à ne pas devenir une surcharge sensorielle (Esperanza à crédit pour la chorégraphie, la musique, les costumes, la cinématographie et le montage de films). Plus tard dans l'œuvre, les danseurs (Tiffanie Carson, Erin Love, Katrina Muffley et Graziella Murdocca) ont chacun des moments à danser seuls – sautant, se tordant, tournant – apparemment au ralenti. La variation du moment est un autre élément intrigant qui ajoute à la fête sensorielle.

Enfin, nous revoyons le chien, et un homme (mais pas son visage – Casey Shepard). Il y a aussi un festin mental ici dans le mystère de tout cela; Je suis tellement curieux de savoir ce qui se passe vraiment ici! L'homme boit de l'eau et fait face à toutes les femmes. La caméra se tourne vers eux, et ils émettent tous des vibrations différentes – expressions faciales, port physique et juste ressenti à leur sujet. Un graphique avec le nom de la pièce la coupe, et c'est ailette. Je suppose que je ne le saurai jamais vraiment, me dis-je. Pourtant, c’est bien; avec cette pièce, avec le mélange sensoriel qu'elle offre, ce mystère fait partie du plaisir. Parfois, l'art met en garde. Parfois, cela élève. Parfois, c'est juste amusant. Cela vaut toujours quelque chose.

Par Kathryn Boland de Dance Informa.







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